jueves, 16 de julio de 2015

Tributo a Rosa Passos


Rosa Passos nació y creció rodeada de música y de la cultura brasileña, en la ciudad de Salvador, capital del estado de Bahía, Brasil. Por estímulo de sus padres, a los cinco años ya era una pianista promisora. A los quince años, Rosa ya figuraba en las emisoras de televisión de Salvador. En su adolescencia, sus padres le presentaron una colección de discos de João Gilberto y Tom Jobim. Inspirada por la película “Orfeo Negro” (1959) y su banda sonora, Rosa cambió su piano por una guitarra y desde entonces se ha dedicado al arte de componer y cantar. Rosa es constantemente llamada “João Gilberto con faldas”, una similitud que existe y que para ella es considerada un halago, pues João es para ella una fuerte influencia musical y un distintivo que la marca hasta los días actuales.
En abril de 1972, su interpretación de “Mutilados” (Antônio Cesar Nunes & João Carlos Morais) le rindió el primer puesto en el primer campeonato de música universitaria de Bahía, auspiciado por la TV Itapoan. Sus composiciones, escritas junto con su compañero letrista, el compositor Fernando de Olivera, surgieron en 1979, en su primer disco “Recreación”. Después de pasar varios años dedicándose solamente a su familia, Rosa regresó a la música en el año 1985, dando inicio nuevamente a una carrera que desde entonces ha ido en ascenso. En el año 1991, Rosa lanzó su primer CD: “Curare”, un álbum que contiene los clásicos acordes de la MPB, los que incluyen a Tom Jobim, Ary Barroso, Carls Lyra, Johnny Alf, Bororó, entre otros.
En 1996, lanzó su CD “Pano pra manga”. La gran parte de las canciones de este CD son de autoría de Rosa Passos y Fernando de Oliveira. Sus composiciones han atraído también el interés del cantante norteamericano Kenny Rankin, quien en el año 1997 grabó las canciones “Verão” (Those Eyes) “Otoño”(Stay) en inglés, ambas contando con la participación vocal de Rosa. En septiembre de 1996, Oscar Castro-Neves, un músico brasileño residente en los Estados Unidos, invitó a Rosa a participar de una noche brasileña en el Jazz at the Bowl, que se realizó en el Hollywood Bowl, en California. Desde su estreno en palcos norteamericanos, la carrera de Rosa ha crecido a lo largo de los años.
Aun en 1996, la cantautora se presentó en Japón por primera vez, con el saxofonista Sadao Watanabe y, sucesivamente, ocurrieron varias presentaciones en países europeo como España, Alemania, Suiza, Dinamarca, Noruega, Suecia, y también en América, en Colombia, Cuba, Uruguay y en los Estados Unidos.
En 1999 fue invitada para presentarse durante el 50º Aniversario de la Celebración de la Democracia Alemana, juntándose a Paquito D’Ribera y WDR Big Gand para shows en Bonn y en Colonia, donde presentó sus composiciones y otros temas clásicos de la música brasileña. En ese mismo año, Rosa se presentó también en el Festival de Jazz de Bern.
En Brasil, Rosa acumuló un extenso catálogo de discos y grabaciones, siendo también una de las estrellas del productor Almir Chediak en el proyecto “Letra & Música”, una serie de CDs que celebran las obras de los grandes compositores brasileños. Su CD de músicas de Tom Jobim y el otro con músicas de Ary Barroso, realizados junto con el guitarrista Lula Galvão, fueron un éxito instantáneo en Brasil y en el mundo, revelando la manera innovadora y peculiar en que Rosa canta los hits tan conocidos como “Aquarela do Brasil”, de Ary Barroso, “Desafinado”, “Samba de uma nota só” y “Garota de Ipanema”, de Tom Jobim.
En agosto de 2001, Rosa presentó un concierto de voz y guitarra en Nueva Orleans, lo que le rindió una nueva invitación para realizar el CD “Me and my heart”, lanzado en el mercado americano en 2002, con participación del bajista Paulo Paulelli. Después de algunos años, el CD se lanzaría en Brasil con el nombre “Eu e me coração”. En 2002, el álbum “Azul” fue lanzado en el mercado brasileño, reuniendo sus canciones favoritas de Gilberto Gil, João Bosco y Djavan, con nuevos arreglos. En el mismo año, Rosa se presenta en el Lincoln Center de Nueva York, en un homenaje a Elis Regina a una audiencia de 6.000 personas, junto con otros artistas.
A finales de 2002, Rosa regresó a Estados Unidos para grabar con Ron Carter, uno de los mejores bajistas de jazz del mundo, el CD “Entre Amigos”, su primer álbum con un grupo de músicos norteamericanos.
En agosto, Rosa Passos participó en el aclamado CD “Obrigado, Brazil”, ganador del Grammy, del famoso músico Yo-Yo Ma, con dos canciones de Tom Jobim (“Chega de Saudade” y “Amor en Paz”). Enseguida, Rosa se une a Yo-Yo Ma y a otros músicos del álbum para una gira mundial que dio lugar al CD grabado en vivo “Obrigado Brazil Live in Concert”, con el clarinetista Paquito D’Rivera y el percusionista Cyro Baptista.
En el 2004, Rosa se une a Sony Classical para el lanzamiento de su álbum “Amorosa”, un homenaje al gran João Gilberto y su famoso álbum “Amoroso” (1977), con la participación especial del músico francés y legendario Henri Salvador, además de los músicos de “Obrigado Brazil”. Con “Amorosa”, Rosa consigue su primera promoción significativa en suelo norteamericano.
Poco después del lanzamiento de “Amorosa”, Rosa y sus fantásticos músicos iniciaron una temporada de éxito en festivales de Europa.
En el año 2006, Rosa es invitada a presentarse con un “solo” en el escenario del Carnegie Hall Zanken Hall, en un concierto de voz y guitarra. Este era un sueño antes predicho por su padre. En el concierto, Rosa se pasea por las canciones de su último disco “Amorosa”, algunos clásicos de la MPB y algo de su último CD “Rosa”, frente a una audiencia repleta y básicamente estadounidense. Aun en 2006, Rosa lanza por Telarc Records – una disquera independiente especializada en jazz y música clásica – el CD solo (voz y guitarra) “Simplemente Rosa”.
“Rosa”, en su debut en Telarc en 2006, fue una grabación simple, sin embargo de mucho poder vocal e instrumental, lo que fue capaz de transmitir no solamente la esencia más básica de la artista, sino también la esencia más básica de la música brasileña en general. Global Rhythm anunció que “Rosa, aún en sus canciones más suaves, llama la atención”, mientras que Village Voice publicó que la grabación era “genial”. El New York Times anunció a Passos como “una de las más talentosas cantoras y guitarristas de Bossa Nova que ya surgieron en los 50 años del estilo musical”.
Después de algunos años lejos de los escenarios brasileños, el CD “Rosa” se lanzó en Brasil, iniciando una sucesión de presentaciones que incluyen una muy exitosa temporada de dos semanas en el teatro Fecap, en São Paulo, a finales de enero de 2007, y una participación en el festival de jazz de Tatuí.
Rosa dedicó el año 2007 al público brasileño y se preparó para más presentaciones por el país. Fue invitada a participar de un homenaje a la inolvidable Elis Regina, su gran inspiración, junto con la Orquesta Jazz Sinfónica en el Memorial de la América Latina,en São Paulo.
En noviembre del año 2007, Rosa se presentó en el Blue Note de Nueva York, prestigiada casa de jazz, en una serie de seis shows que anticiparon su participación como homenajeada de Berklee College Of Music, en Boston, donde presentó talleres de música a la audiencia de docentes y alumnos de la renombrada escuela. Posteriormente, ha recibido el título de doctora Honoris Causa en Música por la escuela Berklee College de Boston, siendo la primera brasileña a recibir este reconocimiento. Más recientemente, en marzo de 2008, Rosa se presentó en el Teatro de Fecap, en São Paulo, con un cuarteto de metales y su grupo musical, homenajeando una vez más el trabajo de Elis Regina.
En mayo de 2008 publica el CD Romance (TELARC), baladas impregnadas de jazz y bossa nova son la trama musical. En este nuevo trabajo, un repertorio de composiciones que van desde Jobim y Djavan hasta Ivan Lins y Chico Buarque.
En 2011 lanza ''É Luxo Só", un homenaje a Elizeth Cardoso. Este es el nuevo CD de Rosa Passos, recién lanzado por la disquera Biscoito Fino. En este trabajo, la cantautora vuelve a grabar con el guitarrista brasileño Lula Galvão.
El periódico El País declaró: Nadie toca bossa nova como Rosa Passos desde João Gilberto. La publicación All About Jazz publicó sobre Passos: “Ella hizo lo que muchos vocalistas intentaron hacer desde los días de Astrud Gilberto y nunca pudieron: volvió la bossa nova nuevamente sexy. Su voz, que a la vez es exótica y extrañamente familiar, es magnífica. Sus interpretaciones de varias joyas de la bossa nova son sublimes. Ella utiliza esas músicas ya tan conocidas y las hace sonar como si fueran completamente nuevas


Discografía
  • Recriação (1979) Recriação (1979)
  • Amorosa (1988) Amorosa (1988)
  • Curare (1991) Curare (1991)
  • Festa (1993) Fiesta (1993)
  • Pano Pra Manga (1996) Pano Pra Manga (1996)
  • Letra & Música - Ary Barroso (1997) (with Lula Galvao ) Letra y Música - Ary Barroso (1997) (con Lula Galvao )
  • O melhor de Rosa Passos (1997) (best-of compilation) O melhor de Rosa Passos (1997) (al mejor de compilación)
  • Especial Tom Jobim (1998) Especial Tom Jobim (1998)
  • Rosa Passos Canta Antonio Carlos Jobim - 40 Anos de Bossa Nova (1998) Rosa Passos Canta Antonio Carlos Jobim - 40 Anos de Bossa Nova (1998)
  • Morada do Samba (1999) Morada do Samba (1999)
  • Rosa Passos Canta Caymmi (2000) Rosa Passos Canta Caymmi (2000)
  • Me and My Heart (2001) Yo y mi corazón (2001)
  • Eu e Meu Coração (2003) Eu e Meu Coração (2003)
  • Azul (2002) Azul (2002)
  • Entre Amigos (2003) (with Ron Carter ) Entre Amigos (2003) (con Ron Carter )
  • Amorosa (2004) Amorosa (2004)
  • Rosa Por Rosa (2005) Por Rosa Rosa (2005)
  • Rosa (2006) Rosa (2006)
  • Romance (2008) Romance (2008)
  • É Luxo Só (2011) É Luxo Só (2011)
  • Samba dobrado (2013) Samba dobrado (2013) }
https://www.youtube.com/watch?v=rZr-tSzE6f8

Biografia:http://www.bimusic.org/sites/default/files/imce/rosa_passos_bio_esp.pdf
Publicadas por a la/s No hay comentarios.:

jueves, 11 de junio de 2015

Tributo A Robben Ford
 
Robben nació en Woodlake (California) en una familia muy musical: su padre, Charles Ford era guitarrista profesional y sus dos hermanos tenían conocimientos musicales, incluida su madre, que tocaba el piano. Ford comenzó a tocar el saxofón con diez años, pero al cumplir los trece, se pasó a la guitarra.

Sus primeras influencias incluyen a Eric Clapton, B.B. King, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Paul Butterfield y Mike Bloomfield. De este último, Ford confesó que su álbum de 1965 'The Paul Butterfield Blues Band' fue su mayor inspiración para comenzar a tocar la guitarra. "Sería por 1966 cuando empecé a escuchar blues eléctrico de Chicago que, entonces lo tocaban mayoritariamente músicos blancos. La banda de Paul Butterfiled era una banda multirracial de Chicago que interpretaba su música de una manera que yo consideraba auténtica. La forma de tocar y el sonido de Mike me fascinaron. Eso fue lo que me hizo dedicarme seriamente a la guitarra".
Su atracción por el jazz comenzó cuando escuchó el saxo de Paul Desmond y The Dave Brubeck Quartet y luego su interés lo llevó a profundizar y descubrir a Ornette Coleman, Archie Shepp, Yusef Latef, Coltrane, pero por supuesto una de sus grandes influencias es Miles Davis, con quien tuvo el honor de compartir escenario en los ochenta.
En la adolescencia, Robben formó un grupo con su hermano mayor Pat que tocaba la batería y su hermano menor Mark, armonicista. Nombraron la banda The Charles Ford Band en honor a su padre. Tras acabar sus estudios en la high school, Ford acompañó a su hermano Pat al área de la bahía de San Francisco, donde realizaron varias actuaciones, en una ocasión, como teloneros de Muddy Waters. Cuando Robben cumplió los dieciocho años, él y su hermano mayor fueron contratados por el armonicista de blues Charlie Musselwhite con el que permanecieron alrededor de un año. En 1970, el pequeño de la familia, Mark, se unió de nuevo a ellos y con la adición del bajista Stan Poplin actuaron en el circuito de clubes de la zona, triunfando con sus shows de blues eléctrico y jazz improvisado.
Aunque la banda se disolvió en la Nochevieja de 1971, grabaron un álbum en el sello Arhoolie, 'The Charles Ford Band' (1972). En 1972 el legendario cantante de blues Jimmy Witherspoon les pidió unirse a su banda. Dos años después, Ford ya era un guitarrista con experiencia y el saxofonista Tom Scott le sugirió unirse a él y a su banda de jazz fusión L.A. Express con el fin de acompañar a Joni Mitchell en su gira promocional Court and Spark.
El guitarrista equilibraba sus intereses entre el blues y el jazz, a veces haciéndolos coincidir, pero a finales de los años setenta se centró primordialmente en el jazz. En 1977 formó una banda que incluía a Russell Ferrante a los teclados, Jimmy Haslip al bajo y Ricky Lawson a la batería. Con esta formación estelar publicó su primer álbum, 'The Inside Story' (1979) en Elektra Records. La banda evolucionaría hasta convertirse en los Yellowjackets, una banda de fusión con fuertes influencias de R&B. Ford grabó en su álbum debut y tocaba con ellos como artista invitado pero asimismo atendía otros intereses a principio de los años ochenta, como acompañar en las giras al ex-Doobie Brother Michael McDonald.
En 1986 fue Miles Davis quien solicitó sus servicios. Ford trabajó con el trompetista seis meses, manifestando a continuación, "Trabajar con Miles fue como una coronación. Me sentí como si me hubieran nombrado Caballero". Al mismo tiempo el guitarrista había firmado con Warner Brothers y en 1988 publicó 'Talk to Your Daughter'. El álbum, además de ser nominado a un Grammy como mejor grabación de blues contemporáneo, no sólo representó su vuelta al blues; tras cerca de veinte años en la música, finalmente logró consolidarle como artista en solitario.
Con el bajista de blues Roscoe Beck y el baterista Tom Brechtlein, más inclinado hacia el jazz, formó Blue Line Lounge, con los que grabó en el sello Stretch de Chick Corea el álbum 'Robben Ford & the Blue Line', una colección de nueve temas, de los cuales, siete eran composición de Robben, que fue magníficamente recibida por crítica y fans, los cuales celebraban su retorno al blues. El año siguiente se publicó su segundo álbum, 'Mystic Mile' (1993) y, de nuevo, incluía siete composiciones originales de Ford.
En 1995 apareció el CD 'Handful of Blues', producido por el guitarrista Danny Kortchmar para el sello Blue Thumb. Ese mismo año añadieron a la formación al tecladista Bill Boubitz y, grabaron en vivo en Club Yoshi's en Oakland (california) el álbum 'The Authorized Bootleg', publicado en 1998. Ann Wickstrom escribía en All Music Guide: "la exquisita brillantez de su técnica y la razón por la cual es el nº1 para tantos guitarristas se pone de manifiesto en este trabajo.". En 1997 Ford cambió de dirección y disolvió la banda. Junto a Bernie Worrell, ex-tecladista del grupo Paliament-Funkadelic grabo el álbum instrumental 'Tiger Walk', acompañado de la sección rítmica de Keith Richards.
En el 2007 Robben estuvo de gira con el legendario guitarrista Larry Carlton, de la cual quedó el registro del disco Live in Tokyo, y un dvd "unplugged" The Paris Concert 2008.
En 2012 giró con la banda tributo a Miles Davis "Miles Smiles" integrada también por Omar Hakim, Darryl Jones, Wallace Roney y Joey DeFrancesco. También estuvo tocando con la banda de Bill Evans y Randy Brecker "Soulbop".
Un año después grabó Bringing It Back Home, un disco que retoma y remodela las raíces musicales de Ford y donde lo acompañan Harvey Mason, Larry Goldings, David Piltch y Stephen Baxter.
En este 2014, se edita A Day In Nashville, el cual es una sesión en vivo en el estudio y literalmente grabado en un día en Nashville. Algo totalmente inusual en estos días donde grabar nueve canciones totalmente nuevas llevaría mucho más tiempo. Pero como dice el propio Ford, los músicos que grabaron junto a él lo ayudaron muchísimo y son los verdaderos responsable, ya que son realmente unos grandes artistas. Ellos son el guitarrista Audley Freed (Sheryl Crow), el tecladista Ricky Peterson (Stevie Nicks), el bajista Brian Allen (Sara Barielles), el baterista Wes Little (Sting) y el trombonista Barry Green (Tony Bennett).

Discografía

Si hay que poner ejemplos, se ponen: el escandaloso solo de Talk to your daughter: el escandaloso solo de Politician; el escandaloso solo de Misdirected blues. Robben se divierte, cómo no hacerlo, tocando así.
De vez en cuando vuelve a la fusión y al jazz, homenajea a los Beatles con Golden slumbers o se deja convencer por Rickie Lee Jones para agarrar las cuerdas de nylon y desgranar standards en Pop pop. Clase y más clase de un tío sonriente, alejado del divismo, que parece feliz de haber recibido el don y de haberlo podido entender y disfrutar.
Publicadas por a la/s No hay comentarios.:

jueves, 4 de junio de 2015

Tributo a Kirk Whalum
 
(Memphis, Tennessee, 11 de julio de 1958) es un músico estadounidense de smooth jazz, saxofonista y flautista. Ha sido propuesto como coandidato a los Premios Grammy 12 veces, y en una de esas ocasiones, en el 2011, obtuvo el premio a la "Mejor canción de gospel" por It’s What I Do, con Lalah Hathaway.

Historial

Estudió en la Melrose High School y en la Texas Southern University, donde formó parte de la "Ocean of Soul Marching Band". Además de cantar en el coro de la iglesia de su padre, Whalum aprendió también de su abuela, Thelma Twigg Whalum, profesora de piano, y de dos tíos, Wendell Whalum y Hugh "Peanuts" Whalum, que tocaban en bandas de jazz locales. En relación con estas influencias, en una entrevista de John H. Johnson para la revista "Ebony Man", en 1994, "La música que me gusta tocar y escribir reúne los cuatro elementos con los que crecí: R&B de Memphis, gospel, rock, y jazz".[1]
En 1986, tocó con Jean Michel Jarre en varias giras de grandes conciertos. En estos conciertos, tocaba cada noche Last Rendez-Vous, también conocida como Ron's Piece, en homenaje a un amigo común de Jarre y Whalum, el saxofonista y astronauta Ron McNair, que murió en el Desastre de la Challenger. Según estaba previsto, como parte de esta misión, McNair debía haber tocado desde el espacio este tema en conexión con los conciertos.
En los años 1990, trabajó, tanto en conciertos como en grabaciones, con artistas como Whitney Houston, Willie Norwood, Babyface, Nancy Wilson, Yolanda Adams, Take 6, BeBe & CeCe Winans, Barbra Streisand, Kirk Franklin, Edwin Hawkins, Quincy Jones, Kevin Mahogany, Al Green, y Luther Vandross. También trabajó en numerosas bandas sonoras, incluidas las de The Prince of Tides, Boyz n the Hood, The Bodyguard, Grand Canyon, y Cousins.
En 2005 Whalum grabó Babyface Songbook, con el icono del R&B Babyface. Recientemente ha trabajado con otros músicos destacados del smooth jazz, como el trompetista Rick Braun, el saxo soprano Dave Koz, y los guitarristas Norman Brown y Chuck Loeb, entre otros.
 
 
Anecdota:
Su solo de saxo mas oído es el de I will always love you, del guardaespaldas, con Whitney Houston.

Discografia

  • Floppy Disk (1985)
  • And You Know That (1988)
  • The Promise (1989)
  • "Mad About the Wolf" from Simply Mad About the Mouse (1991)
  • Caché (1993)
  • In This Life (1995)
  • Joined at the Hip w/ Bob James (1996)
  • Colors (1997)
  • Gospel According to Jazz: Chapter 1 (1998)
  • For You (1998)
  • Unconditional (2000)
  • Hymns in the Garden (2001)
  • The Christmas Message (2001)
  • Groovin w/ BWB (Braun, Whalum, Brown) (2002)
  • The Best of Kirk Whalum (2002)
  • Gospel According to Jazz: Chapter 2 (2002)
  • Into My Soul (2003)
  • Kirk Whalum Performs the Babyface Songbook (2005)
  • Ultimate Kirk Whalum (2007)
  • Roundtrip (2007)
  • Promises Made: The Millennium Promise Jazz Project (2008)
  • Everything Is Everything: The Music of Donny Hathaway (2010)
  • The Gospel According to Jazz Chapter III" (2010)
  • Romance Language (2011)
  • Human Nature" w/ BWB (Braun, Whalum, Brown) (2013)
  • The Gospel According to Jazz Chapter IV" (2014)
https://www.youtube.com/watch?v=7vV6_df7rUc

fuente:http://es.wikipedia.org/wiki/Kirk_Whalum
Publicadas por a la/s No hay comentarios.:

jueves, 21 de mayo de 2015










Tributo a Joe Pass

Joseph Anthony Jacobi Passalaqua (New Brunswick, Nueva Jersey, 13 de enero de 1929 - Los Ángeles, 23 de mayo de 1994), fue un guitarrista de jazz estadounidense. Caracterizado por su uso del walking bass, del contrapunto melódico en medio del curso de una improvisación y de un estilo melódico de acordes, se trata de uno de los más alabados guitarristas del jazz, tanto por la crítica como por sus compañeros de profesión, a algunos de los cuales sirvió de eficiente acompañante en distintos trabajos.
Comenzó a tocar la guitarra cuando tenía nueve años y la edad de catorce años estaba tocando con bandas locales en el área de Johnstown Pennsylvania. En 1947, a los dieciocho años, se fue de gira con la banda Pastor Tony por un corto tiempo antes de regresar a la escuela secundaria. Joe Pass, estudio guitarra en su ciudad natal, Brunswick, a finales de los años treinta para formar parte luego de diferentes bandas, En 1947, ya con su nombre profesional, alcanzó su consagración musical en la orquesta de Charlie Barnet, pero sus adicción a las drogas, adquirida mientras realizaba el servicio militar, hizo que la década de los cincuenta pasara inadvertida musicalmente hablando, ya que empleaba su tiempo alternando trabajos variados e internamientos en diversas instituciones medicas con el fin de desintoxicarse.
En 1961, Joe Pass, ingresó de manera voluntaria en la "Synanon Foundatuion" un centro de rehabilitación de Santa Mónica, que logró quitarle el habito del consumo de droga. Practicamente fue salir de ese centro y grabar un extraordinario álbum para Pacific Jazz, titulado "The Sounds of of Synanon" en el que tuvo un papel estelar. Fue su primer álbum y ya entonces, la revista especializada Down Beat, le concedió una calificación de 4 estrellas y media. En 1970, volvió a grabar un disco, esta vez para el sello MPS y dos años mas tarde, formó un dúo de guitarras con Herb Ellis, grabando algunos discos interesantes.
En 1973, el productor Norman Granz, propietario por entonces del sello Pablo, le convenció para participar en una larguísima serie de giras incrementándose su fama de extraordinario guitarrista a medida que el publico empezó a conocerlo. Participó en numerosos festivales de jazz en Monterey, Newport, Concord, etc y su nombre aparecía siempre entre los primeros guitarristas de las revistas especializadas. Durante los años ochenta, Pass, emergió de su papel de estrella acompañante para iniciar un periodo de su carrera liderando su propio grupo, y grabando y actuando en practicamente todas las situaciones imaginables, desde el solo de guitarra hasta cualquier combinación de pequeños grupos.
Entre su amplísima discografía a su nombre, cabe destacar los discos grabados en 1973 para JVC (Virtuoso), en 1974 para Pablo (Portrait of Duke Ellington); con Ella Fitzgerald (Fitzgerald and Pass Again, o Ella in London), o en 1992 (Finally: Live in Estocolmo). Joe Pass, conservó un publico fiel a su música hasta el día de su muerte, falleció de cáncer en Los Ángeles, California en 1994.
Joe Pass grabado varios discos de jazz importante con algunos de los mejores músicos de jazz de la época. Grabó con Oscar Peterson (El Trío), Conti Candoli (Better Days), Chet Baker (Un signo de los tiempos), JJ Johnson (Vamos a estar juntos de nuevo), Duke Ellington (Big Four de Duke).

Con su enorme talento, Joe Pass todavía se encuentra su lugar que le corresponde como uno de los más grandes guitarristas de jazz del siglo 20.


Discografía:
1961 • Joe Pass – Sounds Of Synanon [42:15]
1963 • Joe Pass – The Complete «Catch Me!» Sessions [45:04]
1963 • Joe Pass – 12 String Guitar (Great Motion Picture Themes) [33:47]
1964 • Joe Pass – Joy Spring [42:43]
1964 • Joe Pass – For Django [32:28]
1966 • Joe Pass – A Sign Of The Times [28:53]
1966 • Joe Pass – The Stones Jazz [33:40]
1967 • Joe Pass – Simplicity [34:14]
1968 • Joe Pass With Herb Ellis – Joe's Blues [32:08] {Released 1998}
1969 • Joe Pass – Guitar Interludes (LP) [33:23]
1970 • Joe Pass – Intercontinental [47:22]
1971 • Joe Pass – Better Days [46:11]
1973 • Herb Ellis, Joe Pass - Seven, Come Eleven [41:44]
1973 • Peterson / Pass / Pedersen – The Trio [38:23]
1973 • Herb Ellis, Joe Pass, Ray Brown, Jake Hanna – Jazz/Concord [37:15]
1973 • Joe Pass – Virtuoso [53:27]
1973 • Joe Pass – Virtuoso № 4 (2CD) [52:02 / 52:14]
1974 • Herb Ellis, Joe Pass - Two For The Road [45:01]
1974 • The Joe Pass Trio – Live At Donte's (2CD) [46:51 / 44:30]
1975 • Oscar Peterson Et Joe Pass A La Salle Pleyel (2 CD) [54:15 / 50:18]
1975 • Joe Pass – Virtuoso In New York [49:33]
1975 • Milt Jackson, Joe Pass, Ray Brown – The Big 3 [44:03]
1976 • Joe Pass – Virtuoso # 2 [59:28]
1977 • Joe Pass, Milt Jackson, Ray Brown, Mickey Roker – Quadrant [42:23]
1977 • Joe Pass – Virtuoso # 3 [57:08]
1977 • Joe Pass – Montreux '77 [41:41]
1978 • Joe Pass, Niels-Henning Ørsted Pedersen – Chops [50:55]
1978 • Joe Pass & Paulinho da Costa – Tudo Bem! [52:26]
1979 • Joe Pass – I Remember Charlie Parker [49:12]
1979 • Stéphane Grappelli, Joe Pass, Niels-Henning Ørsted Pedersen – Tivoli Gardens,      Copenhagen, Denmark [44:38]
1979 • Joe Pass, Niels-Henning Ørsted Pedersen – Northsea Nights [46:36]
1980 • Toots Thielemans, Joe Pass, Niels-Henning Ørsted Pedersen – Live In The Netherlands [42:38]
1981 • Joe Pass, Jimmy Rowles – Checkmate [44:32]
1981 • Joe Pass – Ira, George, And Joe [45:39]
1982 • Zoot Sims, Joe Pass – Blues For Two [44:19]
1983 • Joe Pass, J.J. Johnson – We'll Be Together Again [45:04]
1984 • Joe Pass – Blues Dues - Live At Long Beach City College [51:40]
1985 • Joe Pass – University Of Akron Concert (Joe Pass At Akron University) [53:47]
1988 • Joe Pass – Blues For Fred [55:55]
1988 • Joe Pass – One For My Baby [50:25]
1989 • Joe Pass-Tommy Gumina Trio – Autumn Leaves [39:41]
1990 • Joe Pass – Appassionato [56:44]
1991 • Joe Pass – What's New [51:57]
1992 • Joe Pass & Co. – Joe Pass Quartet Live At Yoshi's [55:38]
1992 • Joe Pass Quartet – Nuages - Live At Yoshi's, Vol. 2 [49:12]
1992 • Joe Pass – Six-String Santa [46:09]
1992 • Joe Pass With Red Mitchell – Finally - Live In Stockholm [62:18]
1992 • Joe Pass – Songs For Ellen [43:45]
1992 • Joe Pass – Unforgettable [58:11]
1992 • Joe Pass With The NDR Big Band – Joe Pass In Hamburg [66:45] {Released 1997}
1993 • Joe Pass – My Song [62:32]
1994 • Roy Clark, Joe Pass – Roy Clark & Joe Pass Play Hank Williams [51:33]
1997 • Joe Pass – Guitar Virtuoso {4 CD's Box Set}
+
2014 • Joe Pass – Viva Tirado [01:40:58]
2014 • Joe Pass – But Beautiful [74:31]
2015 • Joe Pass – Offering Time [75:18]

 

Publicadas por a la/s No hay comentarios.:

jueves, 14 de mayo de 2015

Tributo a John Patitucci

Nacido en Brooklyn, Nueva York, el 22 de diciembre de 1959) es un bajista y contrabajista estadounidense de jazz especializado en lo que ha venido en llamarse fusion music.
John Patitucci, es un gran referente en la historia reciente del CONTRABAJO y bajo eléctrico, un virtuoso de su instrumento y un modelo para innumerables bajistas.  De origen italiano, nacido en Brooklyn, New York, Patitucci comenzó a tocar el bajo eléctrico con tan sólo 10 años, el contrabajo a los 15, y el piano un año más tarde. Ya muy joven, el bajista mostraba una enorme curiosidad por todo tipo de música y una inagotable tenacidad y disciplina, que lo llevarían a completar rápidamente sus estudios de contrabajo clásico en distintas universidades de California.   A mediados de la década de los 80, su talento y habilidad artística lo establecieron rápidamente como uno de los mejores bajistas en el panorama jazzístico internacional obteniendo ocho nominaciones y dos premios Grammy.   En 1987 grabó su primer disco como solista, titulado simplemente “John Patitucci”, que alcanzó los primeros puestos de las listas Billboard Jazz y que inauguraría una larga lista de aclamadas grabaciones para el sello GRP que, a su vez, lo seleccionaría como el bajista oficial de su Big Band de “All Stars”. Desde 1995 el bajista edita sus discos bajo el sello “Concord Jazz”. Además, durante los años 90, Patitucci recibió una larga lista de premios, siendo votado “Mejor bajista de Jazz” durante cuatro años seguidos por la revista “Bass Player”.   Desde entonces, además de continuar con los proyectos que había iniciado con Chick Corea, con su infatigable labor como “sideman”, y como compositor independiente, Patitucci llevó a cabo originales proyectos en Europa (con la orquesta de cámara italiana “Suono e Oltre”) y Japón (New Japan Philharmonic Orchestra en Tokio) con que lo sitúan entre los músicos de jazz más innovadores e inquietos del panorama actual.   John Patitucci es, además, una figura muy respetada y activa en el campo de la educación: entre otras actividades, mantiene desde hace años un fuerte vínculo con el “Thelonious Monk Institute of Jazz” y es director del “Bass Collective”, un prestigioso instituto para bajistas de Nueva York, donde el bajista reside desde 1966. Asimismo, ha editado diversos métodos didácticos muy difundidos entre la comunidad de bajistas.

Patitucci comenzó su carrera profesional a principios de los '80, participando en innumerables sesiones de grabación al lado de figuras de la talla de B. B. King, Michael Brecker, Dave Grusin, Herbie Hancock, Dizzy Gillespie, Stan Getz, Bonnie Raitt, Sting, Wayne Shorter, o George Benson, y grabando bajo la dirección de importantes compositores como Jerry Goldsmith y John Williams o Henry Mancini.
Ya en aquella época Patitucci mostraba un interés especial por la música del Brasil, como lo demuestran sus colaboraciones con Astrud Gilberto, João Gilberto, Airto Moreira, Flora Purim, Ivan Lins, Milton Nascimento o Joao Bosco; Este interés ha sido desde entonces una constante en su carrera.
En la década de los '80, al tiempo que era votado por sus colegas de la "National Academy of Recording Arts and Sciences" como "Mejor contrabajista de estudio" del año, ingresó en los dos proyectos paralelos del teclista y pianista Chick Corea, la Elektric Band y la Akoustic Band, donde tocaba bajo eléctrico y contrabajo, respectivamente. La exposición que lograría con ambas formaciones, con las que grabaría numerosos discos de estudio y actuaría por todo el mundo, lo establecieron rápidamente como uno de los bajistas de referencia en el panorama jazzístico internacional y le otorgaron dos premios Grammy y ocho nominaciones.
En 1987 grabó su primer disco como solista, titulado simplemente "John Patitucci", que alcanzó los primeros puestos de las listas Billboard Jazz y que inauguraría una larga lista de aclamadas grabaciones para el sello GRP que, a su vez, lo seleccionaría como el bajista oficial de su Big Band de "All Stars". Desde 1995 el bajista edita sus discos bajo el sello "Concord Jazz".
Durante los años '90, Patitucci recibió una larga lista de premios, siendo votado "Mejor bajista de Jazz" durante cuatro años seguidos por la revista "Bass Player".
Desde entonces, además de continuar con los proyectos que había iniciado con Corea, con su infatigable labor como "sideman", y como compositor independiente, Patitucci llevó a cabo originales proyectos en Europa (con la orquesta de cámara italiana "Suono e Oltre") y Japón (New Japan Philharmonic Orchestra en Tokio) con que lo sitúan entre los músicos de jazz más innovadores e inquietos del panorama actual.
John Patitucci es, además, una figura muy respetada y activa en el campo de la educación: entre otras actividades, mantiene desde hace años un fuerte vínculo con el "Thelonious Monk Institute of Jazz" y es director del "Bass Collective", un prestigioso instituto para bajistas de Nueva York, donde el bajista reside desde 1966. Asimismo, ha editado diversos métodos didácticos muy difundidos entre la comunidad de bajistas

Valoración

John Patitucci es una figura clave en la historia reciente del bajo eléctrico, un virtuoso de su instrumento y un modelo para innumerables bajistas. Junto a Stanley Clarke, ha sido uno de los primeros músicos en lograr un dominio técnico casi absoluto tanto del bajo eléctrico como del contrabajo. Junto a Anthony Jackson, y al frente de las bandas de Chick Corea ha contribuido quizá más que ningún otro bajista, a popularizar el bajo de seis cuerdas.
El bajista ha desarrollado un lenguaje post-bebop muy avanzado y complejo, fácilmente reconocible en los frecuentes solos que ejecuta con increíble precisión técnica, gran sofisticación armónica y un sonido cristalino que, en el bajo eléctrico, obtiene de sus instrumentos Ken Smith y Yamaha,
Con una enorme versatilidad musical, y dotado de un conocimiento enciclopédico de la historia de su instrumento y de los bajistas que lo han precedido, Patitucci puede ser considerado como uno de los arquitectos del sonido y del lenguaje del bajo moderno.

Discografía solista

  • John Patitucci (1987)
  • On the Corner (1989)
  • Sketchbook]] (1990)
  • Heart of the Bass]] (1991)
  • Another World (1993)
  • Mistura Fina (1995)
  • One More Ange (1996)
  • Now (1998)
  • Imprint (2000)
  • Communion (2001)
  • Songs, Stories Spirituals (2003)
  • Line by Line (2006)
  • "Rememberance" (2009)

Publicadas por a la/s No hay comentarios.:

viernes, 8 de mayo de 2015

Tributo a B.B. King

(Ben Riley King; Indianola, EE UU, 1925) Guitarrista estadounidense de blues. Inició su andadura en la música como disc-jockey en una importante emisora de radio de Memphis, donde se oiría por primera vez su propia música y popularizaría su nombre artístico. Esta importante promoción le permitió firmar por una discográfica independiente californiana, con la que trabajó durante diez años y para la que grabó tanto su primer disco (1949) como el que le lanzaría definitivamente a la fama, Three o’clock blues. Máxima figura del rhythm and blues, B.B. King creó escuela con su guitarra. Todavía en los años noventa muchos grupos consagrados seguían solicitando su colaboración: así, los Rolling Stones o U2. Dotado de una voz potente y de una personalísima técnica interpretativa, King fue el espejo donde se miraron los bluesmen más eminentes de las nuevas generaciones, como Albert King o Eric Clapton.
 
Hijo de Albert y Nora, aparceros cultivadores del algodón cuyas condiciones de vida no estaban muy alejadas de la esclavitud, sus padres se separaron cuando tenía cuatro años. El pequeño se fue a vivir con su madre, que moriría cinco años más tarde. Su abuela Eleonora, también aparcera, fue quien se hizo cargo de él. B.B. King tuvo su primer contacto con la música a través del coro de la iglesia baptista St. John Gospel, en la que su tío estaba emparentado con el reverendo. A los 16 años tuvo su primera guitarra, a la que llamó Lucille en honor a una mujer que estuvo a punto de morir en un incendio cuando dos hombres se disputaban su amor.
En esta etapa compaginó su afición por la música (trabajaba de disc-jockey en la única emisora de radio negra de la zona) con su empleo de conductor de tractor en una plantación. Cobraba en esa época 22 dólares al mes, y cuando finalizaba su jornada se dirigía a cualquier esquina a tocar su guitarra, trabajo con el que llegaba a conseguir cien dólares por noche. Decidido a dedicarse la música, viajó a la ciudad de Memphis, en el estado de Tennessee, donde llegó a formar varios grupos. En esta ciudad conoció a Sonny Boy Williamson II, con quien colaboró como disc-jockey en su programa de radio. En la emisora lo llamaban Blues Boy, apodo que abreviaría para formar su nombre artístico: B.B. King.
 
Gracias a sus contactos radiofónicos, a finales de 1949 grabó su primer disco: Miss Martha King, dedicado a su esposa. Dos años más tarde le llegó el éxito con su octavo single, Three o'clock blues, un verdadero superventas. En la década de los años 60 traspasó todas las fronteras: no era ya solamente un genio del blues, sino también uno de los mejores intérpretes de la música popular de todos los tiempos. En 1964 grabó su ya legendario Live at the Regal e inició un serie de giras que lo llevarían tres años más tarde a participar en el Festival de Jazz de Montreux y, en 1968, en el de Newport Folk. Después vendrían sus conciertos en Europa y su gira, en 1970, como telonero de los Rolling Stones. De esta etapa es su álbum The thrill is gone. Años más tarde, en 1976, editó su disco Together for the first time
 
Canciones como Caledonia, Rock me baby, When loves comes to town o Ain't nobody's business sobresalen entre las que han contribuido a hacerle mundialmente famoso. Merecedor a lo largo de su carrera de trece premios Grammy, numerosos galardones han premiado su trayectoria: recibió la Medalla de las Artes de Estados Unidos e ingresó en 1992 en el Salón de la Fama. Conocido como el rey del blues, B.B. King no se separa nunca de su guitarra, Lucille, con la que ha dado a lo largo de su trayectoria profesional miles de conciertos. Su música, mezcla de blues con jazz-swing y pop, ha influido en grandes guitarristas como Eric Clapton o Gary Moore.
 
Con los años, King ha desarrollado uno estilo de guitarra identificable de su obra musical, con elementos prestados de Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker y otros y la fusión de géneros musicales como el blues, el jazz, el swing y el pop. Su principal instrumento, es una guitarra eléctrica Gibson ES-335 apodada «Lucille», nombre que también comparte con una línea de guitarras creada por la compañía en 1980. King es también reconocido por su prolífico directo, con un promedio de 250 o 300 conciertos anuales durante la década de 1970.
 
B. B. King ha sido un piloto licenciado, un conocido jugador y es también un vegetariano, no bebedor y no fumador desde sus casi 60 años. King ha vivido con diabetes casi diez años y ha sido un visible portavoz en la lucha contra la diabetes, apareciendo en avisos para el manejo de productos para la diabetes.
King es un defensor de la educación de la música en los niños. En 2002, fue contratado como partidario oficial de Little Kids Rock, una organización sin fines de lucro que provee a los niños de escuelas públicas de todo Estados Unidos lecciones e instrumentos musicales de manera gratuita. Forma parte de la tabla de organizaciones de los directores como miembro honorario.

Lucille

Lucille es el nombre de la guitarra más famosa de B.B. King. El nombre proviene de una actuación en Arkansas, en la que se produjo un incendio que obligó a desalojar el recinto a todas las personas allí presentes. B.B. King se dio cuenta de que se había dejado su guitarra y volvió a rescatarla, estando a punto de morir. Cuando le dijeron que el fuego había sido provocado por dos hombres que se peleaban por una mujer, B.B. King le puso a su guitarra el nombre de ésta, Lucille.

Álbumes

  1. Singin' The Blues (1957)
  2. King of the Blues (1960)
  3. My Kind of Blues (1960)
  4. Live at the Regal (Live, 1965)
  5. Lucille (1968)
  6. Live and Well (1969)
  7. Completely Well (1969)
  8. Indianola Misisipi Seeds (1970)
  9. B. B. King in London (1971)
  10. Live in Cook County Jail (1971)
  11. Guess Who (1972)
  12. Lucille Talks Back (1975)
  13. Midnight Believer (1978)
  14. Live "Now Appearing" at Ole Miss (1980)
  15. There Must Be a Better World Somewhere (1981)
  16. Love Me Tender (1982)
  17. Why I Sing the Blues (1983)
  18. B. B. King and Sons Live (Live, 1990)
  19. Live at San Quentin (1991)
  20. Live at the Apollo (Live, 1991)
  21. There is Always One More Time (1991)
  22. Deuces Wild (1997)
  23. Blues On The Bayou (1998)
  24. Live in Japan (1999)
  25. Riding with the King - con Eric Clapton (2000)
  26. Makin love is good for you (2000)
  27. Reflections (2003)
  28. The Ultimate Collection (2005)
  29. B. B. King & Friends: 80 (2005)
  30. One Kind Favor (2008)
  31. Icon (2011)

Temas seleccionados

  • "Miss Martha King" (1949, Bullet)
  • "Got the Blues" (1949)
  • "Mistreated Woman" (1950, RPM)
  • "The Other Night Blues" (1950)
  • "I Am" (1950)
  • "My Baby's Gone" (1950)
  • "B. B. Blues" (1951)
  • "She's a Mean Woman" (1951)
  • "Three O'Clock Blues" (1951)
  • "Fine-Looking Woman" (1952)
  • "Shake It Up and Go" (1952)
  • "Someday, Somewhere" (1952)
  • "You Didn't Want Me" (1952)
  • "Story from My Heart and Soul" (1952)
  • "Woke Up This Morning With A Bellyache" (1953)
  • "Please Love Me" (1953)
  • "Neighborhood Affair" (1953)
  • "Why Did You Leave Me" (1953)
  • "Praying to the Lord" (1953)
  • "Love Me Baby" (1954)
  • "Everything I Do Is Wrong" (1954)
  • "When My Heart Beats Like a Hammer" (1954)
  • "You Upset Me Baby" (1954)
  • "Sneaking Around" (1955) R&B: #14
  • "Every Day I Have the Blues" (1955) R&B: #8
  • "Ten Long Years" (1955) R&B: #9
  • "I'm Cracking Up Over You" (1956)
  • "Crying Won't Help You" (1956) R&B: #15
  • "Did You Ever Love a Woman?" (1956)
  • "Dark Is the Night, Pts. I & II" (1956)
  • "Sweet Little Angel" (1956) R&B: #6
  • "Bad Luck" (1956) R&B: #3 3
  • "On My Word of Honor" (1956) R&B: #3
  • "Early in the Morning" (1957)
  • "How Do I Love You" (1957)
  • "I Want to Get Married" (1957) R&B: #14
  • "Twoubles, Twoubles, Twoubles" (1957) R&B: #13
  • "(I'm Gonna) Quit My Baby" (1957)
  • "Be Careful with a Fool" (1957) Pop: #95
  • "The Keyblade to My Kingdom" (1957)
  • "Why Do Everything Happen to Me" (1958, Kent)
  • "Don't Look Now, But You Got the Blues" (1958)
  • "Please Accept My Love" (1958) R&B: #9
  • "You've Been an Angel" (1958) R&B: #16
  • "The Fool" (1958)
  • "A Lonely Lover's Plea" (1959)
  • "Time to Say Goodbye" (1959)
  • "Sugar Mama" (1959)
  • "Sweet Sixteen, Pt. I" (1960) R&B: #2
  • "Peace of Mind" (1961) R&B: #7
  • "How Blue Can You Get" (1964, ABC) Pop: #97
  • "Help the Poor" (1964, ABC) Pop: #98 8
  • "The Worst Thing in My Life" (1964, Kent)
  • "Rock Me Baby" (1964) Pop: #34
  • "Never Trust a Woman" (1964) Pop: #90
  • "Don't Answer the Door, Pt. I" (1966, ABC) R&B: #2 Pop: #72
  • "I Say in the Mood" (1966, Kent) R&B: #45
  • "Paying the Cost to Be the Boss" (1968, Bluesway) R&B: #10 Pop: #39
  • "I'm Gonna Do What They Do to Me" (1968) R&B: #26 Pop: #74
  • "The B. B. Jones" (1968) Pop: #98
  • "You Put It on Me" (1968) R&B: #25 Pop: #82
  • "The Woman I Love" (1968) R&B: #31 Pop: #94
  • "Get Off My Back Woman" (1969) R&B: #32 Pop: #74
  • "Why I Sing the Blues" (1969) R&B: #13 Pop: #61
  • "Just a Little Love" (1969) R&B: #15 Pop: #76
  • "I Want You So Bad" (1969) R&B: #34
  • "The Thrill Is Gone" (1970) R&B: #3 Pop: #15
  • "So Excited" (1970) R&B: #14 Pop: #54
  • "Hummingbird" (1970) R&B: #25 Pop: #48
  • "Worried Life" (1970) R&B: #48
  • "Ask Me No Questions" (1970, ABC) R&B: #18 Pop: #40
  • "Chains and Things" (1970) R&B: #6 Pop: #45
  • "Help the Poor" (1971, re-grabación) R&B: #36 Pop: #90
  • "Ghetto Woman" (1971) R&B: #18 Pop: #40
  • "The Evil Child" (1971) R&B: #34 Pop: #97
  • "Sweet Sixteen" (1972, re-grabación) R&B: #37 Pop: #93
  • "I Got Some Help I Don't Need" (1972) R&B: #28 Pop: #92
  • "Ain't Nobody Home" (1972) R&B: #28 Pop: #46
  • "Guess Who" (1972) R&B: #21 Pop: #62
  • "To Know You Is to Love You" (1973) R&B: #12 Pop: #38
  • "I Like to Live the Love" (1974) R&B: #6 Pop: #28
  • "Who Are You" (1974) R&B: #27 Pop: #78
  • "Philadelphia" (1974) R&B: #19 Pop: #64
  • "Friends" (1975) R&B: #34
  • "Let the Good Times Roll" (1976) R&B: #20
  • "Slow and Easy" (1977) R&B: #88
  • "Never Make a Move Too Soon" (1978) R&B: #19
  • "I Just Can't Leave Your Love Alone" (1978) R&B: #90
  • "Better Not Look Down" (1979) R&B: #30
  • "There Must Be a Better World Somewhere" (1981) R&B: #91
  • "Into the Night" (1985) R&B: #15
  • "Big Boss Man" (1985) R&B: #62
  • "When Love Comes to Town" (1988, con U2) Rock: #2 Pop: #68
  • "The Blues Come Over Me" (1992) R&B: #63
  • "Riding with the King" (2000, con Eric Clapton) Rock: #26

Honores y condecoraciones

B.B. King alguna vez dijo ""Yo creo que en donde hay un lugar para tocar la guitarra. Hay un lugar para cantar el blues."
 
Publicadas por a la/s No hay comentarios.:

miércoles, 6 de mayo de 2015

Tributo a The Yellowjackets

En 1979, el cantante y guitarrista, ‪#‎RobbenFord‬ reúne a un grupo de veteranos músicos de estudio para grabar en el sello "Wea", el álbum: The Inside Story. Entre ellos estaban el baterista Russel Ferrante y el bajista Jimmy Haslip, y sin tardanza se hizo notar en el grupo cierta química que conduciría a la formación de Yellowjackets, formación a la que el mencionado Ford disminuiría su aporte a lo largo de los años a mero artista invitado. Su álbum de est...reno, "Yellowjackets", grabado en 1981 para Warner Bross, constituyó el inicio de un formidable éxito de público y crítica que se prolonga hasta nuestros días.

Originalmente, el grupo se llamaba The Robben Ford Group, y fue formado en 1977; sus miembros eran Robben Ford, Russell Ferrante, Jimmy Haslip y Ricky Lawson. Ford había creado el grupo para grabar el disco Inside Story, pero firmó un contrato de grabación separado apareciendo listado como artista invitado. Finalmente, fue reemplazado por el saxofonista Marc Russo. Ricky Lawson abandonó en 1986 para trabajar con Lionel Richie. Varias de sus canciones fueron utilizadas en el The Weather Channel en el programa Local On The 8s.
Con su nombre actual, el grupo fue fundado en 1981 como una banda orientada hacia el rhythm and blues que estaba liderada por el guitarrista Robben Ford. El grupo dio un paso de gigante cuando, tras la marcha de Ford, el saxofonista alto Marc Russo ocupó su lugar. Junto con los miembros originales, Russell Ferrante al teclado y Jimmy Haslip en el bajo eléctrico, y con el baterista William Kennedy, la banda encontró su propio sonido de R&B, tocando en ocasiones composiciones originales que sonaban al estilo de la línea más melódica de Joe Zawinul.
Empezaron a comienzos de los ochenta en la Warner Brothers y en 1986 se pasaron a MCA/GRP, compañía con la que realizaron un puñado de discos bien recibidos.
También aparecieron con dos canciones en la banda sonora original de Star Trek IV: The Voyage Home.
En los años noventa, Russo se independizó y empezó a tocar habitualmente con The Doobie Brothers; su sustituto, Bob Mintzer (al clarinete bajo y tenor), añadió más credibilidad jazzística a la música del grupo. Regresaron a la Warner Brothers en 1995 para grabar varios discos antes de firmar por Heads Up para un doble disco en directo titulado Mint Jam en 2002. En 2003 grabaron su primer álbum de estudio en cinco años, Time Squared. Tres años después, la banda celebró su veinticinco aniversario como conjunto con la realización del álbum en directo Twenty Five.
En mayo de 2008, los Yellowjackets realizaron su trabajo número 20, Lifecycle, también para el sello HeadsUp International. Lifecycle cuenta con la colaboración del guitarrista y compañero de sello Mike Stern, haciendo la primera grabación en quince años de los Yellowjackets con guitarra (Run For Your Life de 1994 había contado con Robben Ford en el tema «Even Song»). El álbum fue nominado para un Grammy 2009 en la categoría «Best Contemporary Jazz Album». Russell Ferrante fue también nominado en la categoría de «Best Instrumental Composer» por el tema «Claire's Closet». A lo largo de su carrera, el grupo ha sido nominado a los Grammy en 17 ocasiones, habiendo obtenido en 1986 el de "Best R&B Instrumental Performance" por el tema "And you know that", y en 1988, el "Best Jazz Fusion Performance" por el álbum "Politics".[1]
En 2012, Jimmy Haslip se toma un ''hiatus'' del grupo y abandona la banda, para dedicarse más a su familia y a otros proyectos musicales. Con respecto a esto, él comentó: ''La primera razón de mi ''hiatus'' es que quiero gastar más tiempo con mi familia. Yo me pasé 10 meses en la carretera el ultimo año. Este descanso me dará la oportunidad de pasar más tiempo con mi familia, así como también en mi otras actividades artísticas, o también en otros proyectos de producción independientes.''
Jimmy fue sustituido por Felix Pastorius, hijo del mítico bajista de Weather Report, Jaco Pastorius. En junio de 2013, el grupo lanza A Rise in the Road, primer disco con Pastorius como bajista.

Discografía

 
Publicadas por a la/s No hay comentarios.:
Tributo a Spyro Gyra

Exponente del "jazz pop fusión" y precursor del estilo smooth jazz, el legendario grupo Spyro Gyra lanzó su primer disco en 1977. Desde entonces su sonido se proyectó internacionalmente, convirtiéndose en una de las bandas de mayor vigencia y actividad creadora en el jazz contemporáneo.

Spyro Gyra es una banda estadounidense de jazz fusión y smooth jazz, creada a mediados de los años 1970, en Buffalo (New York). con más de 25 álbumes editados y 10 millones de copias vendidas, se encuentran entre las bandas de mayor proyección del género. Entre sus singles más exitosos, se encuentran "Shaker Song" y "Morning Dance".
Su música, combina jazz con elementos de R&B, funk y pop. Con la excepción del saxo alto, compositor y líder de la banda, Jay Beckenstein, y del teclista Tom Schuman, el personal de la banda ha ido cambiando de forma constante, aunque algunos de los miembros, como el actual guitarrista, Julio Fernández, hayan permanecido en ella más de una década.
El último álbum de la banda, A Foreign Affair, publicado el 13 de septiembre de 2011, intenta recuperar el sonido de sus primeros discos, incluyendo ocasionalmente un cantante. El nombre de la banda, está tomado de una especie de algas, llamadas precisamente Spirogyra.

Corría el año 1974. Eran tiempos en que la música popular de los Estados Unidos estaba regida por la comercialización de bandas de rock, la renovación del soul, y cuando comenzaban a fluir las tonadas y los ritmos bailables del naciente disco. Mientras ello acontecía, en la escena del jazz se gestaba una revolución. El lenguaje de este género musical se enriquecía con la ampliación del rango estilístico y del concepto rítmico, la amplificación y los instrumentos electrónicos. Se fraguaba entonces lo que más tarde se daría en etiquetar como "jazz fusión".
Bien es cierto que no ejercería en la corriente principal del jazz una influencia determinante comparable a las revoluciones que le precedieron (el bebop, el cool o el free jazz); sin embargo, las mezclas y síntesis con otras texturas y ritmos, principalmente el rock, crearon nuevas atmósferas musicales que conquistaron a nuevos y amplios auditorios.
Aquella época de exploración y experimentación musical tuvo a grupos emblemáticos, tales como Return to Forever, The Mahavishnu Orchestra y Weather Report.
El epicentro de este impulso renovador fue Nueva York. No lejos de ahí, en la ciudad de Buffalo, brotaba un original proyecto que, poco después, establecería un nuevo concepto en el jazz contemporáneo.
Los orígenes
Buffalo era por esos días un pequeño Chicago. El ambiente artístico local crecía con las presentaciones en vivo de grupos de blues, soul, jazz y rock.
Las noches de los martes en el Jack Daniel's, un club citadino, tocaba una floreciente banda que combinaba el jazz con la música pop. La cálida sonoridad del saxo alto y los solos de teclado, acompañados por la línea del bajo eléctrico y la batería, restallaban el ambiente, dominado por el humo de cigarrillo y el tintineo de las copas.
La agrupación estaba liderada por dos jóvenes neoyorquinos: el saxofonista Jay Beckenstein y el pianista Jeremy Wall.
Beckenstein había nacido en Brooklyn, en 1951. Su entorno familiar contribuyó a su pasión por la música: su madre fue cantante de ópera y su padre era un amante del jazz, quien introdujo al pequeño Jay a la música de los grandes saxofonistas Charlie Parker y Lester Young. A la edad de siete años, comenzó a recibir lecciones de saxofón y, al final de la secundaria, tocaba en la banda de su escuela. Tras la conclusión de sus estudios musicales en la Universidad del Estado de Nueva York, Jay Beckenstein integraba grupos de blues y rhythm and blues en la escena musical de Buffalo. Por esos días, se reencontró con Jeremy Wall, un amigo músico que había retornado de California, y juntos comenzaron a tocar un repertorio que incluía éxitos de blues y R&B en pequeños clubes de la ciudad. A la vez, comenzaron a crear un estilo nuevo. Una noche en el escenario del Jack Daniel's comenzaron a interpretar música instrumental, improvisando sobre la base de temas de Earth, Wind and Fire, Marvin Gaye, Weather Report y Miles Davis. Su sonido era una amalgama de ritmos tradicionales, tonadas de R&B y largos solos. Este sería el principio de una fascinante aventura musical.
De inmediato, la banda adquirió notoria popularidad. En cierta ocasión, cuando el propietario del club interrogó a Beckenstein por el nombre del grupo, éste, respondiendo en son de broma, le dijo "llámalo spirogyra", término que el saxofonista recordaba de sus clases de biología (la spirogyra es un alga pluricelular, un microorganismo acuático, de color verde brillante y largos filamentos). El exótico nombre fue escrito incorrectamente en el pequeño rótulo de la entrada, anunciando la presentación semanal. Así, de modo espontáneo y fortuito, nació un nombre que, andando el tiempo, encarnaría a uno de los grandes iconos del jazz de nuestro tiempo.
La primera grabación
En 1976, Jay Beckenstein se asoció con el baterista Richard Calandra, fundando la entidad Crosseyed Bear Productions. Alquilaron un pequeño estudio de grabación de 16 pistas, donde se registró la primera incursión discográfica de Spyro Gyra.
Un año después, bajo el sello Amherst Records, apareció su ópera prima que llevó por título el nombre de la banda. Beckenstein recuerda cómo él mismo, conduciendo su automóvil, se dedicó a distribuir los primeros 500 discos para la venta.
El álbum -del que se vendieron más de 70,000 copias- incluía nueve piezas pertenecientes tanto a Jay Beckenstein como a Jeremy Wall, quienes, en mi opinión, son hasta hoy los autores de las más bellas e inolvidables composiciones de un nutrido repertorio. "Shaker Song" -de alegre melodía, sonido caribeño y cadencia contagiante- es el tema representativo del primer LP de Spyro Gyra, y expresa la esencia y la originalidad de su estilo. En la grabación participaron dos nombres que aportarían una huella indeleble en la evolución del grupo: Tom Schuman, virtuoso tecladista, y Dave Samuels, brillante intérprete del vibráfono y la marimba. Sus sonidos se asociarían por siempre a la expresión instrumental de la banda.
Travesía musical
Morning Dance, el segundo disco, fue editado por el sello Infinity/MCA en 1979. Esta grabación terminó de definir en el plano estilístico el sonido armónico y rítmico de Spyro Gyra, que le hizo conquistar un amplísimo auditorio en los Estados Unidos y en la escena internacional. La inefable acogida del disco (que nunca imaginaron sus creadores), se expresó en su elevada demanda (un millón de álbumes vendidos), que le mereció el disco de platino. Su contenido incluye el clásico tema que le da nombre (su composición emblemática) y otros éxitos, tales como "Heliopolis" y "Rasul".
En esta segunda realización podemos apreciar, por otra parte, las que habrían de constituirse en notas dominantes de la propuesta musical de Spyro Gyra. Su sentido de la estructura presenta la mixtura del jazz con sonidos de la música popular: R&B, funk, rock y tonadas latinas. Su estilo ecléctico se expresa en suaves y enérgicas interpretaciones, intensidad rítmica, ideas originales y múltiples influencias.
Jay Beckenstein, líder, compositor y productor del grupo, ha afirmado sobre el carácter de Spyro Gyra: "Realmente no somos jazz, tampoco pop, ni rock, ni música latina... la música instrumental permite mucho más espacio creativo para que la audiencia u oyente se introduzca en la música y permite que su propia imaginación se expanda y contribuya con la experiencia".
El sonido inimitable y fácilmente reconocible de Beckenstein, intérprete de los saxofones alto, soprano y tenor, exhibe un fraseo post bop de impecable estilo. La brillantez y el colorido del saxo alto, las inflexiones y el vigor expresivo que emanan del tenor derivan hacia delicadas y suntuosas notas en el soprano, cuya textura lírica alcanza puntos álgidos de inspiración y belleza. Tales rasgos hacen de Jay Beckenstein un intérprete de exquisita factura entre los saxofonistas contemporáneos...

Discografía

Álbumes

TítuloAño de ediciónSello discográfico
Spyro Gyra1978Amherst Records
Morning Dance1979MCA Records
Catching the Sun1980MCA Records
Carnaval1980MCA Records
Freetime1981MCA Records
Incognito1982MCA Records
City Kids1983MCA Records
Access All Areas (live)1984MCA Records
Alternating Currents1985MCA Records
Breakout1986MCA Records
Stories Without Words1987MCA Records
Rites of Summer1988MCA Records
Point Of View1989MCA Records
Fast Forward1990GRP
Three Wishes1992GRP
Dreams Beyond Control1993GRP
Love and Other Obsessions1995GRP
Heart of the Night1996GRP
20/201997GRP
Road Scholars (live)1998GRP
Got the Magic1999Windham Hill Jazz
In Modern Times2001Heads Up
Original Cinema2003Heads Up
The Deep End2004Heads Up
Wrapped in a Dream2006Heads Up
Good to Go-Go2007Heads Up
A Night Before Christmas2008Heads Up
Down the Wire2009Heads Up
A Foreign Affair2011Amherst Records

Recopilatorios

TítuloAño de ediciónSello discográfico
Collection1991GRP
The Best of Spyro Gyra - The first ten years1998GRP
The Very Best of Spyro Gyra2002GRP


Fuente: http://www.revistasudestada.com.ar/articulo/407/spyro-gyra-30-anos-de-jazz/
Publicadas por a la/s No hay comentarios.:
Suscribirse a: Entradas (Atom)