Tributo a Larry Carlton

La historia de Larry Carlton empieza en el Sur de California. Consiguió su primera guitarra cuando tenía sólo seis años de edad. Se matriculó en una escuela de jazz después de oír el disco “Moment of Truth” de The Gerald Wilson Big Band, con Joe Pass. Larry entonces se interesó en Barney Kessel, Wes Montgomery y B.B King. El saxofonista John Coltrane fue también una gran influencia en Carlton, empezando con el disco de 1962, classic Ballads.
En 1968 Carlton grabó su primer elepé, “With a little help frOm my friends” (Uni). La respuesta entusiasmada de la industria le reservó ya por aquel entonces un lugar entre los guitarristas más prometedores, grabando anuncios y programas de radio y televisión.
Las llamadas comenzaron a aumentar apreciablemente, mientras Carlton se distinguía por el inconfundible y a menudo imitado sonido "dulce" que entregaba con su Gibson ES-335. También rompió moldes con su nueva técnica de pedal de volumen marca de la casa, demostrada en actuaciones junto a The Crusaders, ya por el año 1971.

Mientras duró su colaboración con The Crusaders (hasta 1976), Carlton grabó 13 de sus álbumes, a menudo contribuyendo de forma esencial. En 1973, Carlton lanzó su segundo proyecto en solitario, “Singing Playing”, en Blue Thumb Records, donde no sólo tocó la guitarra, sino que incluso cantó en ocho de los temas del disco. La demanda de Carlton como músico de sesión estaba ahora en su apogeo, actuaba constantemente con estrellas de cualquier género que imaginarse pueda, desde Sammy Davis, Jr, y Herp Alpert a Quincy Jones, Paul Anka, Michael Jackson, John Lennon, Jerry Garcia y Dolly Parton. Al mismo tiempo, realizaba todavía más de 50 fechas al año con The Crusaders.
 
Antes de transicionar completamente a una carrera en solitario, Carlton llegó a ser uno de los músicos de estudio más solicitado de las últimas tres décadas. El catálogo de trabajos de Carlton incluye bandas sonoras cinematográficas, temas de televisión y trabajo en más de 100 álbumes de oro. Casi ná.

Más tarde, Carlton empezó a recortar sustancialmente su trabajo como músico de sesión, mientras continuaba grabando y actuando con The Crusaders. Comenzó a dedicarse a los desafíos de arreglar y producir, y construyó su propio estudio -Espacio 335-, en su hogar. Durante este período arregló y produjo proyectos para Barbra Streisand, Joan Baez y Larry Gatlin, así como otras colaboraciones para bandas sonoras.
 
Cuando su asociación con The Crusaders comenzó a llegar a su fin, Carlton firmó con Warner Bros. en 1977. Entre ’78 y ’84, Larry grabó seis álbumes en solitario para la Warner: Mr. 335; Live In Japan; Friends; Eight Times Up; Sleep Walk; Strikes Twice; Larry Carlton. El último álbum, titulado con su nombre, se lanzó simultáneamente a su colaboración con los legendarios Steely Dan. La revista Rolling Stone clasifica entonces la intervención de Carlton en el “Kid Carlomagne” de Steely Dan como uno de los tres mejores licks de guitarra de la música rock.
 
Con más de 3000 sesiones de estudio entre pecho y espalda al principio de la década de los 80, Carlton había recogido cuatro nominaciones a los Grammy. Además de ganar un Grammy (1981) por el tema “Hill Blues”, fue votado también como “músico más valioso” de la Asociación NARAS durante tres años consecutivos. NARAS entonces lo denominó "Músico Honorario" y le retiró el derecho de ser elegido de nuevo.

En 1985 fue encomendado por la recién creada Master Series de MCA nuevamente para hacer un álbum de Jazz acústico. Su primer lanzamiento para el nuevo sello fue “Alone, But Never Alone”, que fue unanimemente considerado un No. 1 en las listas de Radio & Records and Billboard Jazz. Los doce meses de 1987 supusieron algunos de los momentos culminantes de la carrera en solitario de Carlton. Además de ganar el Grammy por " Minute by Minute” Carlton recibió una nominación a los Grammy en el apartado “Best Jazz Fusion Performance” por su álbum en vivo “Last Nite”.

Después de los éxitos de dos álbumes acústicos y un álbum en vivo, Carlton entró al estudio para trabajar en su siguiente proyecto, “On Solid Ground”. El proyecto resultante se nominó para un Grammy en 1989. La publicación de “On Solid Ground” tuvo lugar casi un año después de que Carlton fuera brutalmente herido por un disparo en un acto de violencia fuera de su estudio de Los Angeles. La cosa no iba con él.

En 1990, MCA adquirió la discográfica GRP y colocó a sus artistas del jazz bajo la etiqueta de GRP. Inmediatamente, GRP publicó un paquete de grandes éxitos de Carlton en MCA, al que llamó “Collection”. En 1991, Carlton entró al estudio para grabar un de blues con John Ferraro, el teclista Matt Rollings, el bajista Michael Rodhes y el harmonicista Terry McMillan. Interrumpido por demandas judiciales debidas a compromisos con otros sellos, Carlton arrinconó temporalmente lo que llegaría a ser Renegade Gentlemen y grabó y lanzó “Kid Gloves” en 1992. Una colección del Jazz orientada hacia el Pop, con baladas acústicas melodiosas y audaces propuestas eléctricas, el álbum marcó la primera vez Carlton había incluido pistas tanto acústicas como eléctricas en un solo proyecto en solitario.

Entre giras, Carlton reasumió el trabajo en Renegade Gentlemen. Llevando las seis pistas orignales a Nashville (la primera vez que grabó en esa ciudad), y reuniendo de nuevo a Michael Rhodes y Terry McMillan, más el baterista Chris Layton (de la banda de SRV Double Trouble) y el mago de los teclados Chuck Leavell, grabó cuatro pistas, hizo la producción adicional y las mezclas hasta culminar con su lanzamiento en el año 1993.

Carlton viajó extensamente ese año y el siguiente con la superbanda de jazz de Stanley Clark and Friends (Stanley Clark, Larry Carlton, Cobham Bilis, Deron Johnson y Najee). El quinteto publicó “Stanley Clark and Friends Live A t The Greek” en 1994.

Larry & Lee, la colaboración en 1995 de Carlton con el gran guitarrista Lee Ritenour, añadió una octava nominación a los Grammy. A esto siguió “The Gift” en 1996 y el “Colection 2” en 1997. Ese mismo año, su virtuosismo y la reputación le aseguraron un lugar en el antológico grupo Fourplay, ocupando la vacante de Lee Ritenour que se había marchado para dirigir su propio sello. Carlton duplicó la diversión firmando con Wamer Jazz para grabar en solitario al mismo tiempo. Desde entonces él ha publicado dos álbumes con Fourplay: “4” en 1998 y un álbum fresco y diferente de Navidad, “Snowbound”, en octubre de 1999. 1999 trajo a Larry Carlton también su propio lugar en el prestigioso Rockwalk (paseo de las estellas de rock) de Hollywood. El 3 de junio, colaboró con Joe Satriani, Steve Vai y Jimmie Vaughn.

El año 2000 comienza con Carlton poniendo sus huellas dactilares en el milenio con la publicación bajo el sello Warner Bros del disco “Fingerprints”. Totalmente extraordinario, Larry Carlton ha supuesto un estándar para la música, que atraviesa tres décadas (y dos siglos) y está destinado indudablemente a dejar su marca en el jazz, el blues, el Pop y el Rock para el futuro previsible...

Discografía

• With A Little Help of My Friends 1968 Uni
• Singing / Playing 1973 Blue Thumb
• Larry Carlton 1978 Warner Bros. Records
• Mr. 335 Live in Japan 1979 Warner Bros. Records (Japón)
• Strikes Twice 1980 Warner Bros. Records
• Sleepwalk 1981 Warner Bros. Records
• Eight Times Up 1983 Warner Bros. Records (incluye el sencillo Tequila)
• Friends 1983 MCA
• BSO - Against All Odds 1984 Virgin Records (con Michel Colombier)
• Last Nite 1986 MCA
• Alone / But Never Alone 1986 MCA
• Discovery 1986 MCA
• On Solid Ground 1989 MCA
• Collection 1990 GRP
• Renegade Gentleman 1991 GRP
• Kid Gloves 1992 GRP
• Larry & Lee 1995 GRP
• Christmas at My House 1995 MCA
• The Gift 1996 GRP Records
• Collection Vol.2 1997 GRP
• Fingerprints 2000 Warner Bros. Records
• No Substitutions: Live in Osaka 2001 Favored Nations
• Deep Into It 2001 Warner Bros. Records
• Sapphire Blue 2003 JVC Music
• The Very Best of Larry Carlton 2005 GRP
• Fire Wire 2006 RCA Victor
• Larry Carlton with Robben Ford Live in Tokyo 2007 335 Records
• Take Your Pick (album)|Take Your Pick (con Tak Matsumoto) 2010
• Larry Carlton Plays The Sound Of Philidelphia 2011 335 Records

Vídeos

• Larry Carlton Live 1987
• Star Licks Larry Carlton 1989
• Star Licks Larry Carlton Vol.2 1992
• Larry Carlton Live At Montreal International Jazz Festival 1997
• Live at Montreal JazzFestival 2002 Eagle
• Carlton - Lukather Band - The Paris Concert 2005 inakustik
• Carlton, Ford + Autour Du Blues - The Paris Concert 2008 Inakustik
• Carlton Trio - The Paris Concert 2009 Inakustik
• Larry Carlton Trio - Estival Jazz Lugano 2011

Tributo A Lee Ritenour

Nació el 11 de enero de 1952 en Los Ángeles, California. Compositor y guitarrista estadounidense, reconocido por ser uno de los pioneros en la fusión del jazz contemporáneo con el funk y el rock.

 

Lee Mack Ritenour, comenzó a los 16 años como músico sesionista en una grabación con The Mamas & The Papas, luego colaboró con artistas de la talla de Tony Bennet y Lena Horne.
En 1973 forma un grupo con Joe Pisano, ex guitarrista de Herp Alpert y su Tijuana Brass y un año después lo hace con Dave Grusin, antiguo pianista del grupo de Sergio Mendes and Brasil 77.

Dave Grusin es además co-fundador del sello musical GRP (uno de los sellos de los años 80 que se destacó por impulsar la música del jazz-fusión).
Con Grusin elaboran distintos discos, entre ellos Harlequin.

Un estilo que acompaña su manera de tocar y sentir la música es la influencia de guitarristas como Joe pass, West Montgomey y Barney Kessel, no obstante esa influencia, Lee ha conseguido un estilo propio.

Su debut discográfico como líder fue en 1976 para el sello EPIC con el álbum, First Course.

Lee Ritenour ha desarrollado a lo largo de su carrera otros estilos musicales distintos al jazz; sus coqueteos con la fusión del jazz con otros ritmos, fundamentalmente brasileños, siendo él junto con Grusin quienes ayudan a introducir en Estados Unidos a músicos por entonces desconocidos para ese mercado, tales como Ivan Lins.
En 1979 graba para GRP, el álbum Río, el disco más importante de esa época donde existe una perfecta fusión entre el jazz y la bossa. Años despues, como podía suponerse, grabará con el compositor y pianista brasilero Ivan Lins.

Durante su carrera, Ritenour ha sido nominado 17 veces a los premios Grammy; consiguió varios álbumes de oro y abundantes números uno en concursos de guitarra.

Sus discos, están grabados mayoritariamente por GRP y su mayor éxito lo obtuvo en 1994 con el álbum Larry & Lee, a dúo con el también guitarrista, Larry Carlton.

Lee Retenour, ha participado en mas de 3.000 sesiones como músico invitado y tiene editados más de 42 discos.

Sus guitarras preferidas son las Gibson ES 335 y L5, también tiene preferencias por un modelo de Ibanez la LR 10, el modelo que se fabricó entre los año 1981 y 1987.
Durante los años 86 y 89, usa una guitarra sintetizador llamada SynthAxe y en el año 1987 edita Portrait, junto al grupo YellowJackets.
En la actualidad también usa acusticas Yamaha, entre ellas la conocida Silent Guitar.

En 1988 edita Color Rit, en donde vuelve a sacar sus influencias de música brasilera. Poco después también editará el álbum Stolen Moments con un sonido que se aproxima al de West Montgomery.

En el año 2002 edita Rit's House y en 2004 completa un proyecto que incluye la edición de CD y DVD con músicos como Ernie Watts, Nathan East, Anthony Jackson, David Grusin y Alex Acuna, entre otros.
Ese álbum se llamó Smoke n' Mirrors y fue editado en agosto del 2006.

En junio del 2010 edita el disco 6 String Theory, un juego de palabras en referencia a la teoría de la cuerda y el uso de la guitarra.

Este disco cuenta con la participación de famosos guitarristas, tales como Steve Lukather, Neal Schon, John Scofield, Slash, Pat Martino y Mike Stern, así como con otros jóvenes poco conocidos hasta entonces: Andy McKee, Joe Robinson y Guthrie Govan

 

 

Es uno de los guitarristas de jazz más técnicos que existen. Conocido por ello como "Captain Fingers" (Capitán Dedos), su carrera ha estado marcada por la influencia de los grandes guitarristas de jazz género en el que ha desarrollado su endiablado estilo

Discografía

Fecha	Título	Discográfica
1976	First Course	Epic #EK 46114
1977	Gentle Thoughts	JVC #VDJ-1001
1977	Captain Fingers	Epic #PE 34426
1978	Friendship	Jasrac #VDJ-1003
1978	The Captain's Journey	Elektra No. 6E-136
1979	Rio	GRP Records #GRD-9524
1979	Feel the Night	Discovery No. 71010
1980	The Best of Lee Ritenour	Epic #EK 36527
1981	Rit	Discovery No. 71013
1982	Rit 2	Discovery No. 71017
1983	On The Line , con Dave Grusin	GRP Records #GRD-9525
1984	Banded Together	Discovery No. 71018
1985	Harlequin, con Dave Grusin	GRP Records #GRD-9522
1986	Earth Run	GRP Records #GRP-D-9538
1987	Portrait	GRP Records #GRD-9553
1988	Festival	GRP Records #GRD-9570
1989	Color Rit	GRP Records #GRD-9594
1990	Stolen Moments	GRP Records #GRD-9615
1991	Joyride	Nova
1993	Wes Bound	GRP Records #GRD-9705
1995	Larry & Lee, con Larry Carlton	GRP Records #GRD-9817
1997	Alive In L.A.	GRP Records #GRD-9882
1997	A Twist of Jobim	I.E. Music No. 314 533 893-2
1998	This Is Love	i.e. Music No. 314 557 290-2
1999	Two Worlds	Decca No. 012 157 960-2
2001	A Twist Of Marley	GRP Records #UCCR-1003
2002	Rit's House	GRP Records #VERF 01197-2
2003	A Twist of Motown	GRP Records #B0000115-02
2005	Overtime	Peak Records #PKD-8531-2
2005	World Of Brazil	GRP Records #B0004926-02
2006	Smoke N Mirrors	Peak Records #PKD-30018-2
2008	Amparo, with Dave Grusin	Decca Records #UCCU-1192
2010	6 String Theory	Concord Records #CRE-31911-02
2012	Rhythm Sessions	Concord Records #CRE-33709-02

Con Fourplay

Fecha	Título	Discográfica
1991	Fourplay	Warner Bros.
1993	Between the Sheets	Warner Bros.
1994	Elixir	Warner Bros.

 

Tributo a Jaco Pastorius

John Francis Anthony Pastorius III (Norristown, 1 de diciembre de 1951 − Fort Lauderdale, 21 de septiembre de 1987), conocido como Jaco Pastorius, fue un bajista, compositor y arreglista estadounidense de funk, jazz fusión y jazz.
Pese a ser autodidacta, Pastorius tomó un instrumento hasta entonces relativamente nuevo, el bajo eléctrico, cuyo papel hasta ese momento por lo general era de acompañamiento y permanecía en un segundo plano dentro de las bandas de música popular. Artesanalmente extrajo los trastes de su propio bajo eléctrico, un Fender modelo Jazz Bass de 1962, transformándolo en un fretless, variedad del bajo hasta el momento poco conocida y utilizada, cuya sonoridad es más similar a la del contrabajo acústico. Otra modificación que fue decisiva para su sonido fue el de sustituir las habituales cuerdas de entorchado plano utilizadas hasta entonces en los bajos fretless, por cuerdas de entorchado redondo, consiguiendo un mayor "sustain".
Con esta nueva sonoridad, su innovadora técnica de digitación, la particular posición de su mano derecha, entre otras cosas; conseguiría llevar al bajo eléctrico a un nuevo nivel interpretativo, usándolo tanto para acompañar como para tocar melodías principales e improvisar,^[1] ya que en aquella época eran roles casi exclusivos de instrumentos solistas como la guitarra eléctrica, la trompeta, el saxofón y el piano.
Por lo anterior, a Jaco se le considera como uno de los bajistas más influyentes en la historia del bajo eléctrico.[editar]
Nació en Pennsylvania, pero de pequeño se mudó a Fort Lauderdale, donde se crió y desde temprana edad integró diversas bandas escolares, en las cuales se destacaba como baterista. De adolescente sufrió un accidente en su rodilla jugando al fútbol, que le impediría tocar la batería. Pastorius decidió entonces intercambiar los roles con el bajista de la banda en la que tocaba, llamada Las Olas Brass (1967) y aprendió el repertorio completo de la banda para su nuevo instrumento en tan sólo una semana.
En 1974 comenzó a hacerse más reconocido cuando graba el disco Bright Size Life acompañando al guitarrista Pat Metheny, y permanece algún tiempo como bajista del grupo Blood, Sweat & Tears. Dos años después, grababa su primer disco solista, titulado Jaco, aclamado por la crítica y por sus colegas, y que lo llevó a los primeros planos de la escena jazzística internacional. Muchos consideran a este disco como de escucha imprescindible para los bajistas de todos los tiempos por la riqueza técnica y la calidad de sus composiciones.
Jaco era un admirador del grupo de jazz fusion Weather Report, habiendo, en años anteriores a su debut discográfico, "acosado" al líder de dicho grupo, Joe Zawinul para que le diera el puesto de bajista en la banda, con el argumento de que él era "el mejor bajista del mundo". Pese a la explicable resistencia inicial de Zawinul, finalmente Pastorius logró que escuchara una cinta con su música. Zawinul quedó muy impresionado sobre todo por el particular sonido de Pastorius, pensando en un primer momento que en la cinta que Pastorius le había dado este había tocado un contrabajo. Al poco tiempo, el bajista de Weather Report de aquel momento, Alphonso Johnson, abandonó la banda y Zawinul le ofreció instantáneamente a Pastorius reemplazarlo.
Jaco tocó con Weather Report desde 1976 hasta 1981, grabando álbumes y realizando giras por distintos países del mundo.
Después de dejar Weather Report, Jaco formó su propia banda, Word Of Mouth, con la cual también grabó varios discos y realizó numerosas giras hasta el año 1984. Notables músicos fueron parte de aquella banda, entre ellos el baterista de Weather Report, Peter Erskine, el trompetista Randy Brecker, el saxofonista Bobby Mintzer y el percusionista Don Alias.
A partir de mediados de la década de los 80, Jaco comenzó a sufrir las primeras manifestaciones de trastornos mentales, y se le diagnostica como maníaco depresivo. Las drogas que le habían recetado para tratarse le impedían concentrarse, lo adormilaban, lo que le imposibilitaba componer; o peor aún, directamente le dormían los dedos, lo cual no le permitía tocar el bajo. Así que Jaco rehusó tratarse, cayendo en una espiral de conflictos familiares y conductas autodestructivas.
Se volvió alcohólico, tomando por costumbre vagar por las calles y convivir con mendigos y vagabundos, de quien se haría amigo tocando para ellos. Incluso el famoso bajo Fender Jazz Bass que Jaco utilizó tanto tiempo, le fue sustraído mientras jugaba un partido de baloncesto en las canchas de la calle 54 en Nueva York, ya que acostumbraba dejarlo apoyado en un banco sin prestarle atención mientras jugaba. Jaco fue internado varias veces por sus trastornos maníaco depresivos, pudiendo pasar de la más absoluta depresión a un estado de euforia en cuestión de segundos.
El 11 de septiembre de 1987, Pastorius, después de salir de la cárcel por robar un coche y conducirlo por una pista de atletismo (tampoco tenía permiso de conducir), intentó sabotear un concierto de Carlos Santana^{[cita requerida]}, donde tocaba en ese momento Alphonso Johnson, bajista a quien sustituyó once años atrás en Weather Report. Al ser obligado a abandonar el concierto, y en estado de embriaguez, se dirigió a un bar de la zona de donde fue expulsado, también a la fuerza, tras alborotar y sabotear otro concierto que se estaba realizando. Luc Havan, el vigilante de seguridad (versado en este tipo de enfrentamientos) al echarlo le propinó una paliza que lo dejó en estado de coma, con varias fracturas faciales y daños en el ojo derecho y el brazo izquierdo. Pocos días más tarde, Pastorius sufrió un derrame cerebral que acabó con su vida. El vigilante finalmente fue condenado pero sólo cumplió 4 meses de los 5 años a los que le habían condenado.^[2]

Discografía

Trabajos previos

• 1974 - Party Down (Little Beaver)
• 1974 - Jaco (Pat Metheny, Paul Bley)
• 1976 - Bright Size Life (Pat Metheny)

Otras participaciones

• 1976 - Land of the Midnight Sun (Al Di Meola)
• 1976 - Hejira (Joni Mitchell)
• 1977 - Don Juan's Reckless Daughter (Joni Mitchell)
• 1978 - Everyday Everynight (Flora Purim)
• 1978 - Sunlight (Herbie Hancock)
• 1979 - Mingus (Joni Mitchell)
• 1979 - Mr. Hands (Herbie Hancock)
• 1980 - Shadows And Light (Joni Mitchell)
• 1986 - Upside Downside (Mike Stern)

Como solista

• 1976 - Jaco Pastorius
• 1981 - Word of Mouth
• 1981 - The Birthday Concert
• 1983 - Invitation
• 1984 - Live in New York City, Vol. 4: Trio 2
• 1985 - Live in New York City, Vol. 5: Raca
• 1986 - PDB
• 1990 - Live in New York City, Vol. 1: Punk Jazz
• 1991 - Live in New York City, Vol. 2: Trio
• 1991 - Live in New York City, Vol. 3: Promise Land
• 1998 - Best Improvisation
• 1998 - Holiday for Pans
• 1999 - Live in New York, Vol. 6
• 1999 - Live in New York, Vol. 7
• 2001 - Another side of Jaco Pastorius
• 2003 - Jaco Pastorius Big Band (Tributo)

Con Weather Report

• 1976 - Black Market
• 1977 - Heavy Weather
• 1978 - Mr. Gone
• 1980 - Night Passage
• 1982 - Weather Report

Tributo a “The Ice Man”, The Master of the Telecaster”“. Albert Collins nació el 1º de octubre de 1932 en Leona, Texas. Cuando tenía 7 años su familia se trasladó a Houston, donde creció con sus amigos Johnny “Guitar” Watson y Johnny Copeland. Comenzó en la música tomando clases de teclado, inspirado en su ídolo Jimmy McGriff, pero a la edad de 18 años se cambió a la guitarra gracias a los sonidos de Clarence “Gatemouth” Brown, John Lee Hooker, T-Bone Walker y su primo Lightnin’ Hopkins. Comenzó a tocar en los mismos clubes nocturnos en los que ellos estaban, generando su propio estilo, caracterizado por el uso de afinaciones menores y un capo, incluyendo además el acto de caminar en medio del público mientras tocaba la guitarra, el cual lo hizo muy popular en la década de 1980. Collins lideró a The Rhythm Rockers, una banda de 10 piezas con la que grabó su primer sencillo en 1958, un tema que se llamó “The Freeze”. Este registro fue seguido por otros temas con nombres llamativos como “Sno-cone”, “Icy Blue” y “Don’t Lose Your Cool”. Todos estos sencillos tuvieron un impacto regional hasta que en 1962 llegó su mayor éxito, “Frosty”, sencillo que vendió un millón de copias. Albert Collins contaba que cuando grabó esa canción, en el estudio estaban Johnny Winter y Janis Joplin, quien predijo que “Frosty” iba a ser un éxito. El tema se convirtió en una parte primordial de su repertorio y ese estilo percutivo de interpretar la guitarra se convirtió en su sello. Jimi Hendrix, en muchas entrevistas, citó ese sonido de Collins como una de sus influencias. A lo largo de la década de 1960, Collins siguió con la rutina de tener un trabajo diario para sostenerse y seguir su carrera musical los fines de semana con pequeñas giras regionales. Grabó para algunos sellos pequeños hasta que en 1968 Bob “The Bear” Hite, guitarrista de Canned Heat, fue hasta Texas para convencerlo de trasladarse a California, donde firmó con Imperial Records. Allí consiguió aprovechar que el blues revival todavía estaba en boga para obtener mayor audiencia y abrir conciertos de bandas como The Allman Brothers Band. Albert Collins tuvo su centro de operaciones en Los Ángeles durante mucho tiempo antes de trasladarse a Las Vegas, a comienzos de la década de 1980. Para Imperial grabó tres discos y pasó a Tumbleweed Records, sello en el que produjo varios sencillos hasta su cierre en 1973. A pesar de no grabar mucho entre 1970 y comienzos de 1980, sus sencillos fueron suficientemente transmitidos en radio, situación que le permitió a Collins seguir de gira, manejando él mismo su propio bus, hasta que en 1988 pudo contratar un chofer. El repunte de Albert Collins llegó en 1977 cuando firmó con Alligator Records y grabó su debut “Ice Pickin’”. Con el sello de Chicago produjo seis discos más, culminando en 1986 con “Cold Snap” en el que participa el organista Jimmy McGriff, uno de sus héroes musicales.  Además de “Ice Pickin’” y “Cold Snap”, Albert Collins grabó para Alligator Records “Live in Japan”, “Don’t Lose Yout Cool”, “Frozen Alive!”, “Frostbite” y “Showdown”, trabajo realizado al lado de los también guitarristas Robert Cray y Johnny Copeland, que hizo merecedores a los tres artistas de un premio Grammy. Collins fue nominado en 1986 a un gramófono por su disco “Cold Snap”.En 1989 Albert Collins firmó con Pointblank, una filial de Virgin Records, y presentó “Iceman”, su debut en 1991. En 1993 fue lanzada una compilación llamada “Collins Mix”. Así mismo se presentaron algunos reediciones de sus primeras grabaciones con otras compañías, que le dieron más popularidad al guitarrista quien tuvo también un extenso trabajo como músico de sesión, participando en discos como “Labyrinth” de David Bowie, “Spillane” de John Zorn, “A Question Of Time” de Jack Bruce, “Wake Up Call” de John Mayall, “Blues Summit” de B.B. King, “Shame And A Sin” de Robert Cray y “Super Models In Deep Conversation” de Brandford Marsalis. A pesar de que Albert Collins estuvo mucho tiempo sn grabar en la década de 1970, puedo ver cómo el blues retornó con fuerza en 1980. Collins pudo disfrutar de ese momento en los últimos años de su vida y tuvo mucha exposición ante los medios de comunicación. Al lado de Stevie Ray Vaughan y The Fabulous Thunderbirds, Albert Collins ayudó a fortalecer el blues pero, al igual que Stevie Ray Vaughan, la muerte llegó de manera temprana y no le permitió ser parte de la evolución de esta música. Albert Collins murió el 24 de noviembre de 1993 víctima de un cáncer de hígado

 

 

Año	Título	Sello-Ref.
1968	Love Can Be Found Anywhere (Even In A Guitar)	Imperial LP-12428
1969	Trash Talkin’	Imperial LP-12438
1970	The Complete Albert Collins	Imperial LP-12449
1971	There's Gotta Be A Change	Tumbleweed 103
1978	Ice Pickin’	Alligator 4713
1979	Albert Collins and Barrelhouse Live	Munich 225
1980	Frosbite	Alligator 4719
1981	Frozen Alive	Alligator 4725
1983	Don´t Loose Your Cool	Alligator 4730
1983	Jammin With Albert
1984	Live In Japan	Alligator 4733
1985	Showdown!	Alligator 4743
1986	Cold Snap	Alligator 4752
1991	Iceman	Pointblank VPBCD 3
1993	Collins Mix: His Best	Pointblank 39097
1995	Live '92/'93	Pointblank 40658
2000	Live At the Filmore West	Catfish 156
2005	The Iceman At Mount Fuji	Fuel2000 061457
2008	Albert Collins: Live at Montreux 1992	Eagle Records

 

 https://www.youtube.com/watch?v=DlDhJ0ghTg4

 

 

 

 Fuente: https://historiasdelblues.wordpress.com/tag/albert-collins/

 

 

 

 

Hoy nos toca rendir tributo a Ahmad Jamal:

Frederick Russell Jones (Pittsburgh, 2 de julio de 1930), es un pianista estadounidense de jazz. Ahmad Jamal fue una de las principales influencias musicales de Miles Davis y está considerado como uno de los pianistas más relevantes de la historia del jazz Jamal es un pianista de la tradición clásica jazzística.
La música de Jamal es innovadora y minimalista, y manifiesta un uso consciente de los espacios y de los silencios para subrayar los tránsitos entre la relajación y la tensión, con la intención de generar dramatismo. Impresiona antes que por su técnica por su virtuosismo, caracterizado por una gran economía de medios y unas líneas melódica y armónicamente inventivas. En sus tríos, suele dejar un gran espacio de libertad a la sección rítmica.

Jamal comenzó a tocar el piano a los tres años, empezó su formación a los siete y a los once ya tocaba profesionalmente bajo el nombre de Fritz Jones (aunque durante la Segunda Guerra Mundial también se hacía llamar “Freddie”) siendo influido por artistas como Erroll Garner, Art Tatum, Teddy Wilson, Count Basie y Nat King Cole. Tras graduarse en el instituto, realizó una gira como acompañante y se unió a la orquesta de George Hudson en 1949. Un año después, se unió al grupo de swing del Joe Kennedy, los Four Strings, donde trabajó como pianista y arreglista.

En 1950, Jamal formó su propio grupo, los Three Strings, con el bajista Eddie Calhoun y el guitarrista Ray Crawford. Fueron descubiertos por la compañía Columbia en 1951 y firmaron por el sello subsidiario de esta OKeh. Calhoun fue más tarde reemplazado por Richard Davis y después por Israel Crosby en 1955; durante esa época, Fritz Jones se convirtió al Islam y se cambió el nombre por el de Ahmad Jamal hacia 1952. También, en esas fechas, el grupo, eventualmente renombrado como Ahmad Jamal Trio grabó dos discos, que incluían el clásico de Jamal “Ahmad’s Blues” y una versión de “Pavanne” que fueron la base posterior de los legendarios temas de Miles Davis “So What” y del “Impressions” de John Coltrane.

En 1955 cambió de compañía, a Argo, donde el trío grabó el exitoso Chamber Music of New Jazz, que impresionó a Davis y en el que el arreglista Gil Evans se basó para crear la obra para el trompetista. En 1956, Jamal eligió para reemplazar al guitarrista Crawford a un batería, Walter Perkins; a su vez, este fue reemplazado en 1958 por Vernell Fournier, quedando constituido el grupo clásico que trabajó habitualmente en el Pershing Hotel de Chicago, dando como resultado un disco clásico en directo: Ahmad Jamal at the Pershing: But Not for Me; la versión de Jamal de “Poinciana” se convirtió en su tema por antonomasia. Como consecuencia de este éxito, Jamal abrió su propio club, Alhambra, y grabó abundantemente para Argo durante los años sesenta.

Algunos de sus discos tuvieron un éxito considerable, por ejemplo Ahmad Jamal Trio, Vol. 4 de 1958 y Ahmad Jamal at the Penthouse de 1960. En 1962 el trío se deshizo. Con el arreglista Richard Evans, Jamal grabó otra sesión de jazz con violines, Macanudo, y a continuación formó un nuevo trío con el bajista Jamil Nasser (aka Jamil Sulieman) y el batería Chuck Lampkin. Lampkin se marchó en 1965 y fue sustituido por Fournier (en el LP Extensions) antes de que finalmente Frank Gant formase parte del trío.

Jamal experimentó un breve resurgir de su éxito a finales de los sesenta gracias a discos como Standard Eyes de 1967 y Cry Young de 1968. Un año después cambió de compañía, ahora para Impulse!, y grabó cinco discos en cuatro años, incluyendo un directo en el Montreux Jazz Festival de 1971 y Outertimeinnerspace (1972), en los que experimentó con el piano eléctrico.
Jamal se cambió a la compañía 20th Century en 1973. Nasser abandonó el trío a mediados de los setenta y fue reemplazado por John Hurd; además, el trío se amplió a cuarteto momentáneamente con la incorporación del guitarrista Charlie Keys para el concierto de 1976 Live at Oil Can Harry’s. Night Song presentó a Jamal trabajando con un grupo más grande en 1980. Pero nuevamente formó otro trío con el bajista Sabu Adeyola y el batería Payton Crossley.

A comienzos de los ochenta, Jamal realizó una gira y grabó en tándem con el vibrafonista Gary Burton y regresó a una compañía poderosa al firmar con Atlantic en 1985. Trabajó también para Telarc a comienzos de los noventa. En 1994, fue galardonado con el American Jazz Master Fellowship por el National Endowment for the Arts.

Jamal firmó después con el sello francés Birdology, que supuso el comienzo de un renacimiento creativo. Sus grabaciones fueron distribuidas inicialmente en los Estados Unidos por Verve y Atlantic, y más tarde por el pequeño sello Dreyfus Jazz. Su primer disco francés, The Essence of Ahmad Jamal, Pt. 1 fue recibido calurosamente en Francia, y supuso la primera vez que Jamal grabó en pequeño grupo con un saxofonista (George Coleman). Siguió con Big Byrd: The Essence, Pt. 2 (1997) y Nature: The Essence, Pt. 3 (1998), y sobre todo con el aclamado concierto de su 70 cumpleaños en el Olympia en el año 2000. El disco de 2003 In Search of Momentum fue también muy bien recibido por la crítica.

 

Discografía

Como líder

• 1970: Black Rhythm Revolution (Prestige Records)
• 1971: Peace & Rhythm (Prestige)
• 1974: Power of Soul
• 1976: House of the Rising Sun
• 1977: Turn This Mutha Out
• 1977: Could Heaven Ever Be Like This
• 1978: Boogie to the Top
• 1978: You Ain't No Friend of Mine
• 1979: Fox Huntin'
• 1980: Kabsha
• 1980: Make It Count
• 1992: My Turn
• 1998: Right Now

Como sideman

Con Nat Adderley

• Calling Out Loud (CTI, 1968)

Con Lou Donaldson

• Fried Buzzard (Cadet, 1965)
• Blowing in the Wind (Cadet, 1966)
• Lou Donaldson At His Best (Cadet, 1966)
• Alligator Bogaloo (Blue Note, 1967)
• Mr. Shing-A-Ling (Blue Note, 1967)
• Midnight Creeper (Blue Note, 1968)
• Say It Loud! (Blue Note, 1968)
• Hot Dog (Blue Note, 1969)
• Everything I Play is Funky (Blue Note, 1970)
• Pretty Things (Blue Note, 1970)
• The Scorpion (Blue Note, 1970)
• Cosmos (Blue Note 1971)
• Sweet Poppa Lou (Muse, 1981)

Con Pharoah Sanders

• Journey to the One (Theresa, 1980)
• Heart is a Melody (Theresa, 1982)
• Live (Theresa, 1982)
• Shukuru (Theresa, 1985)
• Africa (Timeless, 1987)

Con Grant Green

• Sookie Sookie (Blue Breakbeats 1998)

Con Benjamin Herman

• Get In (1999)

Con Freddie Hubbard

• New Colors (Hip Bop Essence 2001)

Con Ahmad Jamal

• The Essence of Ahmad Jamal, Pt 1 (1994)
• Big Byrd: The Essence, Pt. 2 (Dreyfus, 1997)
• Nature: The Essence, Part III (Dreyfus, 1998)
• Picture Perfect (2000)
• Ahmad Jamal 70th Birthday (2000)
• In Search of Momentum (Dreyfus, 2002)
• After Fajr (Dreyfus, 2005)
• It's Magic (Dreyfus, 2008)

With Rodney Jones

• Soul Manifesto (1991)

Con Ernest Ranglin

• Below the Bassline (Island Records, 1998)

Con John Scofield

• Groove Elation (1995)

Con Leon Spencer

• Sneak Preview (Prestige Records, 1970)
• Louisiana Slim (Prestige, 1971)

https://www.youtube.com/watch?v=cytUz9KkK9M

 

Fuente: http://www.ellitoralconcordia.com/?p=67171

             http://es.wikipedia.org/wiki/Idris_Muhammad

Hoy nos toca rendirle Tributo al Gran Al Jarreau

Alwyn López "Al" Jarreau (Milwaukee, Wisconsin, Estados Unidos, 12 de marzo de 1940), es un cantante estadounidense de jazz. Se distingue por su versatilidad y originalidad, y por su apertura a diferentes estilos (soul, rhythm and blues, pop...) e influencias diversas (Nat King Cole, especialmente). Ganador de varios Grammys, su voz se hizo popularmente conocida al interpretar el tema central de la serie de televisión en los 80 Luz de luna (Moonlighting).

Al Jarreau alternó desde niño su interés por la música con los estudios de psicología, que a la postre constituiría su primera profesión, al ejercer en San Francisco como rehabilitador durante cuatro años ayudando a gente con problemas de alcoholismo, drogas, esclerosis múltiple o amputaciones.
Musicalmente, su primera experiencia musical la tuvo en el grupo The Indigos, un grupo de aficionados que se sentían influidos por Lambert, Hendricks y Ross, y otros vocalistas.
Posteriormente, se unió al trío del teclista George Duke, con el que tocaba por las noches en el Club Half Note, tras trabajar por el día en su profesión.
Ayudado por los productores Tommy LiPuma y Al Schmitt consiguió editar sus primeros discos.

Discografía selecta

• 1965 (Bainbridge) - 1965
• The Masquerade Is Over - 1973
• We Got By - 1975
• Glow - 1976 (Pop # 132, R&B # 30, Jazz # 9)
• Look To The Rainbow - 1977 (Pop # 49, R&B # 19, Jazz # 5)
• All Fly Home - 1978 (Pop # 78, R&B # 27, Jazz # 2)
• This Time - 1980 (Pop # 27, R&B # 6, Jazz # 1)
• Breakin' Away - 1981 (Pop # 9, R&B # 1, Jazz # 1)
• Jarreau - 1983 (Pop # 13, R&B # 4, Jazz # 1, UK # 39)
• High Crime - 1984 (Pop # 49, R&B # 12, Jazz # 2)
• Live In London - 1985 (Pop # 125, R&B # 55, Jazz # 10)
• L Is For Lover - 1986 (Pop # 129, R&B # 30, Jazz # 9)
• Heart's Horizon - 1988 (Pop # 75, R&B # 10, Jazz # 1)
• Heaven and Earth - 1992 (Pop # 105, R&B # 30, Jazz # 2)
• Tenderness - 1994 (Pop # 114, R&B # 25, Jazz # 2)
• A Twist of Jobim - 1997 (featured vocalist on "Girl from Ipanema" y "Waters of March")
• Tomorrow Today - 2000 (Pop # 137, R&B # 43, Jazz # 1)
• All I Got - 2002 (Pop # 137, R&B # 43, Jazz # 3)
• Accentuate the Positive - 2004 (Jazz # 2)
• Givin' It Up (con George Benson) - 2006

Premios y nominaciones

Premios Grammy

• 1978 - Premio Grammy para el mejor cantante vocal de Jazz, Look To The Rainbow
• 1979 - Premio Grammy para el mejor cantante vocal de Jazz, All Fly Home
• 1982 - Premio Grammy para el mejor cantante vocal de Jazz, Breakin' Away
  • "(Round, Round, Round) Blue Rondo A La Turk"
• 1993 - Premio Grammy para el mejor cantante vocal de Jazz, Heaven And Earth

Nominaciones al Grammy

• 1981 - Premio Grammy al mejor cantante vocal de Rhythm & Blues, "Never Givin' Up"
• 1982 - Premio Grammy al mejor cantante vocal, Breakin' Away
• 1985 - Premio Grammy al mejor cantante vocal realizado en dueto de Rhythm & Blues, "Edgartown Groove", together with Kashif
• 1986 - Premio Grammy al mejor cantante vocal de Rhythm & Blues, High Crime
• 1987 - Premio Grammy al mejor cantante vocal de Rhythm & Blues, "Since I Fell For You"
• 1988 - Premio Grammy al mejor cantante vocal de música pop, "Moonlighting (Theme)"
  • Tema de serie de televisión "Moonlighting (tema)", junto con Lee Holdridge
• 1990 - Premio Grammy al mejor cantante vocal de Rhythm & Blues, Heart's Horizon
• 1995 - Premio Grammy al mejor cantante vocal de Rhythm & Blues, "Wait For The Magic"
• 2005 - Premio Grammy al mejor álbum de Jazz, Accentuate The Positive

en una Entrevista

AJ – "En el espíritu de inventar e improvisar comencé a hacer los sonidos de los instrumentos con la boca como diversión. Mis hermanos (Al es el quinto de seis muchachos) tenían un cuarteto y se reunían en la casa a practicar. Los escuchaba en la cocina hacer los sonidos y comencé a practicar y entendí que con la voz se pueden hacer muchas cosas", recordó.
"Pero esto realmente explotó cuando dejé de cantar acompañado de piano, bajo y batería y comencé a hacerlo solo con guitarra por allá por 1964 o 65. Noté que había mucho espacio para hacer cosas e improvisar. Al mismo tiempo comenzaba a involucrarme en la música brasileña. En m
i carro hacía los sonidos mientras manejaba y lo que comenzó como algo divertido para mí se hizo grande. Pensé si era divertido para mí quizá también sería divertido para el público y así nació esta práctica".


fuente:  http://www.sun-sentinel.com/elsentinel/fl-es-al-jarreau-interview-20150416-story.html#page=1
        http://es.wikipedia.org/wiki/Al_Jarreau