Diorian's Jazz radio

miércoles, 6 de mayo de 2015

Tributo a Spyro Gyra

Exponente del "jazz pop fusión" y precursor del estilo smooth jazz, el legendario grupo Spyro Gyra lanzó su primer disco en 1977. Desde entonces su sonido se proyectó internacionalmente, convirtiéndose en una de las bandas de mayor vigencia y actividad creadora en el jazz contemporáneo.

Spyro Gyra es una banda estadounidense de jazz fusión y smooth jazz, creada a mediados de los años 1970, en Buffalo (New York). con más de 25 álbumes editados y 10 millones de copias vendidas, se encuentran entre las bandas de mayor proyección del género. Entre sus singles más exitosos, se encuentran "Shaker Song" y "Morning Dance".
Su música, combina jazz con elementos de R&B, funk y pop. Con la excepción del saxo alto, compositor y líder de la banda, Jay Beckenstein, y del teclista Tom Schuman, el personal de la banda ha ido cambiando de forma constante, aunque algunos de los miembros, como el actual guitarrista, Julio Fernández, hayan permanecido en ella más de una década.
El último álbum de la banda, A Foreign Affair, publicado el 13 de septiembre de 2011, intenta recuperar el sonido de sus primeros discos, incluyendo ocasionalmente un cantante. El nombre de la banda, está tomado de una especie de algas, llamadas precisamente Spirogyra.

Corría el año 1974. Eran tiempos en que la música popular de los Estados Unidos estaba regida por la comercialización de bandas de rock, la renovación del soul, y cuando comenzaban a fluir las tonadas y los ritmos bailables del naciente disco. Mientras ello acontecía, en la escena del jazz se gestaba una revolución. El lenguaje de este género musical se enriquecía con la ampliación del rango estilístico y del concepto rítmico, la amplificación y los instrumentos electrónicos. Se fraguaba entonces lo que más tarde se daría en etiquetar como "jazz fusión".
Bien es cierto que no ejercería en la corriente principal del jazz una influencia determinante comparable a las revoluciones que le precedieron (el bebop, el cool o el free jazz); sin embargo, las mezclas y síntesis con otras texturas y ritmos, principalmente el rock, crearon nuevas atmósferas musicales que conquistaron a nuevos y amplios auditorios.
Aquella época de exploración y experimentación musical tuvo a grupos emblemáticos, tales como Return to Forever, The Mahavishnu Orchestra y Weather Report.
El epicentro de este impulso renovador fue Nueva York. No lejos de ahí, en la ciudad de Buffalo, brotaba un original proyecto que, poco después, establecería un nuevo concepto en el jazz contemporáneo.
Los orígenes
Buffalo era por esos días un pequeño Chicago. El ambiente artístico local crecía con las presentaciones en vivo de grupos de blues, soul, jazz y rock.
Las noches de los martes en el Jack Daniel's, un club citadino, tocaba una floreciente banda que combinaba el jazz con la música pop. La cálida sonoridad del saxo alto y los solos de teclado, acompañados por la línea del bajo eléctrico y la batería, restallaban el ambiente, dominado por el humo de cigarrillo y el tintineo de las copas.
La agrupación estaba liderada por dos jóvenes neoyorquinos: el saxofonista Jay Beckenstein y el pianista Jeremy Wall.
Beckenstein había nacido en Brooklyn, en 1951. Su entorno familiar contribuyó a su pasión por la música: su madre fue cantante de ópera y su padre era un amante del jazz, quien introdujo al pequeño Jay a la música de los grandes saxofonistas Charlie Parker y Lester Young. A la edad de siete años, comenzó a recibir lecciones de saxofón y, al final de la secundaria, tocaba en la banda de su escuela. Tras la conclusión de sus estudios musicales en la Universidad del Estado de Nueva York, Jay Beckenstein integraba grupos de blues y rhythm and blues en la escena musical de Buffalo. Por esos días, se reencontró con Jeremy Wall, un amigo músico que había retornado de California, y juntos comenzaron a tocar un repertorio que incluía éxitos de blues y R&B en pequeños clubes de la ciudad. A la vez, comenzaron a crear un estilo nuevo. Una noche en el escenario del Jack Daniel's comenzaron a interpretar música instrumental, improvisando sobre la base de temas de Earth, Wind and Fire, Marvin Gaye, Weather Report y Miles Davis. Su sonido era una amalgama de ritmos tradicionales, tonadas de R&B y largos solos. Este sería el principio de una fascinante aventura musical.
De inmediato, la banda adquirió notoria popularidad. En cierta ocasión, cuando el propietario del club interrogó a Beckenstein por el nombre del grupo, éste, respondiendo en son de broma, le dijo "llámalo spirogyra", término que el saxofonista recordaba de sus clases de biología (la spirogyra es un alga pluricelular, un microorganismo acuático, de color verde brillante y largos filamentos). El exótico nombre fue escrito incorrectamente en el pequeño rótulo de la entrada, anunciando la presentación semanal. Así, de modo espontáneo y fortuito, nació un nombre que, andando el tiempo, encarnaría a uno de los grandes iconos del jazz de nuestro tiempo.
La primera grabación
En 1976, Jay Beckenstein se asoció con el baterista Richard Calandra, fundando la entidad Crosseyed Bear Productions. Alquilaron un pequeño estudio de grabación de 16 pistas, donde se registró la primera incursión discográfica de Spyro Gyra.
Un año después, bajo el sello Amherst Records, apareció su ópera prima que llevó por título el nombre de la banda. Beckenstein recuerda cómo él mismo, conduciendo su automóvil, se dedicó a distribuir los primeros 500 discos para la venta.
El álbum -del que se vendieron más de 70,000 copias- incluía nueve piezas pertenecientes tanto a Jay Beckenstein como a Jeremy Wall, quienes, en mi opinión, son hasta hoy los autores de las más bellas e inolvidables composiciones de un nutrido repertorio. "Shaker Song" -de alegre melodía, sonido caribeño y cadencia contagiante- es el tema representativo del primer LP de Spyro Gyra, y expresa la esencia y la originalidad de su estilo. En la grabación participaron dos nombres que aportarían una huella indeleble en la evolución del grupo: Tom Schuman, virtuoso tecladista, y Dave Samuels, brillante intérprete del vibráfono y la marimba. Sus sonidos se asociarían por siempre a la expresión instrumental de la banda.
Travesía musical
Morning Dance, el segundo disco, fue editado por el sello Infinity/MCA en 1979. Esta grabación terminó de definir en el plano estilístico el sonido armónico y rítmico de Spyro Gyra, que le hizo conquistar un amplísimo auditorio en los Estados Unidos y en la escena internacional. La inefable acogida del disco (que nunca imaginaron sus creadores), se expresó en su elevada demanda (un millón de álbumes vendidos), que le mereció el disco de platino. Su contenido incluye el clásico tema que le da nombre (su composición emblemática) y otros éxitos, tales como "Heliopolis" y "Rasul".
En esta segunda realización podemos apreciar, por otra parte, las que habrían de constituirse en notas dominantes de la propuesta musical de Spyro Gyra. Su sentido de la estructura presenta la mixtura del jazz con sonidos de la música popular: R&B, funk, rock y tonadas latinas. Su estilo ecléctico se expresa en suaves y enérgicas interpretaciones, intensidad rítmica, ideas originales y múltiples influencias.
Jay Beckenstein, líder, compositor y productor del grupo, ha afirmado sobre el carácter de Spyro Gyra: "Realmente no somos jazz, tampoco pop, ni rock, ni música latina... la música instrumental permite mucho más espacio creativo para que la audiencia u oyente se introduzca en la música y permite que su propia imaginación se expanda y contribuya con la experiencia".
El sonido inimitable y fácilmente reconocible de Beckenstein, intérprete de los saxofones alto, soprano y tenor, exhibe un fraseo post bop de impecable estilo. La brillantez y el colorido del saxo alto, las inflexiones y el vigor expresivo que emanan del tenor derivan hacia delicadas y suntuosas notas en el soprano, cuya textura lírica alcanza puntos álgidos de inspiración y belleza. Tales rasgos hacen de Jay Beckenstein un intérprete de exquisita factura entre los saxofonistas contemporáneos...

Discografía

Álbumes

Título	Año de edición	Sello discográfico
Spyro Gyra	1978	Amherst Records
Morning Dance	1979	MCA Records
Catching the Sun	1980	MCA Records
Carnaval	1980	MCA Records
Freetime	1981	MCA Records
Incognito	1982	MCA Records
City Kids	1983	MCA Records
Access All Areas (live)	1984	MCA Records
Alternating Currents	1985	MCA Records
Breakout	1986	MCA Records
Stories Without Words	1987	MCA Records
Rites of Summer	1988	MCA Records
Point Of View	1989	MCA Records
Fast Forward	1990	GRP
Three Wishes	1992	GRP
Dreams Beyond Control	1993	GRP
Love and Other Obsessions	1995	GRP
Heart of the Night	1996	GRP
20/20	1997	GRP
Road Scholars (live)	1998	GRP
Got the Magic	1999	Windham Hill Jazz
In Modern Times	2001	Heads Up
Original Cinema	2003	Heads Up
The Deep End	2004	Heads Up
Wrapped in a Dream	2006	Heads Up
Good to Go-Go	2007	Heads Up
A Night Before Christmas	2008	Heads Up
Down the Wire	2009	Heads Up
A Foreign Affair	2011	Amherst Records

Recopilatorios

Título	Año de edición	Sello discográfico
Collection	1991	GRP
The Best of Spyro Gyra - The first ten years	1998	GRP
The Very Best of Spyro Gyra	2002	GRP

Fuente: http://www.revistasudestada.com.ar/articulo/407/spyro-gyra-30-anos-de-jazz/

lunes, 4 de mayo de 2015

Trubuto a Michel Camilo

Nacido el 4 de abril de 1954 en Santo Domingo es un pianista dominicano de jazz latino.
Compuso su primera canción a los 6 años. Alumno del Colegio de la Salle y también con estudios de Medicina estudió durante 13 años en el Conservatorio Nacional que culminó con una cátedra; a los 16 años se convirtió en miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional Dominicana. Con la idea de ampliar su horizonte musical, se trasladó a Nueva York en 1979, donde siguió con sus estudios en Mannes y Juilliard School of Music.
Un pianista con ritmos caribeños y armonías de jazz; su composición Why not! se convirtió en un éxito grabado por Paquito D'Rivera en uno de sus álbumes, que fue ganador de un Grammy (1993) en la versión vocal de los Manhattan Transfer. Sus dos primeros álbumes fueron: WHY NOT! y SUNTAN/MICHEL CAMILO IN TRIO.
Camilo hizo su debut en el Carnegie Hall en 1985 con su trío y en 1986 en los festivales europeos como líder. Desde entonces el actúa periódicamente en Estados Unidos, El Caribetional Symphony Orchestra de la República Dominicana le invitó a dirigir un recital clásico de Rimsky Korsakoff, Beethoven, Dvorak y su propio trabajo The Goodwill Games Theme, por el que ganó un Emmy. Ese mismo año fue director musical en el Heineken Jazz Festival en su nativa República Dominicana, puesto en el que permaneció hasta 1992.
Noviembre de 1988 marcó su debut con la compañía discográfica Sony con el lanzamiento de MICHEL CAMILO (Sony). El álbum estuvo en el primer puesto del Top Jazz Album durante ocho semanas consecutivas. Su segundo lanzamiento, ON FIRE, fue votado entre los Tres Mejores Álbumes de Jazz del Año por Billboard y su tercera grabación, ON THE OTHER HAND, estuvo entre los diez primeros de la lista Jazz Albums. Las tres grabaciones fueron primeros en las listas de radio a escala nacional.
En 1991, Camilo regresó por tercer año consecutivo al Carnegie Hall, por segunda vez al Newport Jazz Festival, y por tercera vez estuvo de gira en Japón. Su trabajo "Caribe" fue grabado por las pianistas Katia y Marielle Labeque y por Dizzy Gillespie. Fue presentado como solista, arreglista y compositor con Danish Radio Big Band y ese año hizo una gira especial a tres pianos en Francia con Katia y Marielle Labeque en programas con repertorios clásicos y jazzísticos. También compuso y grabó la partitura para la galardonada película española Amo Tu Cama Rica, dirigida por Emilio Martínez-Lázaro, que estrenó en Madrid y ha sido presentada en festivales de cine europeos y americanos.
En 1992 estrenó en forma mundial de Rhapsody for Two Pianos and Orchestra, un encargo de la Orquesta Filarmónica de Londres, interpretada por Katia y Marialle Labeque en el Royal Festival Hall. Camilo estuvo también invitado a tocar con la Orquesta Sinfónica de Atlanta en un programa clásico y jazzístico, donde interpretó Gershwin Piano Concerto in F, así como su repertorio de jazz en trío. También hizo una extensa gira en El Caribe, Sudamérica, Europa y Japón. Ese mismo año, Michel fue premiado con dos galardones: Professor Emeritus de su Alma Mater, Universidad Autónoma de Santo Domingo y "Knight of the Heraldic Order of Christopher Columbus" por el Gobierno.
En 1993, lanzó su álbum Rendezvous (Columbia) e hizo gira en los principales festivales de Estados Unidos, Europa y Japón. Este álbum fue elegido entre los Top Jazz Albums del año por Gavin Report y el Billboard. Le invitaron a tocar en All-Star Gala en la Casa Blanca, ocasión de la celebración del 40 Aniversario del Newport Jazz Festival; este concierto fue emitido por la PBS a escala nacional como parte de "In Performance At The White House". También fue invitado como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana, donde interpretó Gershwin's Piano Concerto in F. El Clearwater Jazz Holiday le entregó el "International Jazz Award" y fue invitado como jurado en el prestigioso Great American Jazz Piano Competition en Jacksonville, Florida.
A principios de 1994, UTESA University de Santiago, República Dominicana, le entregó el Honoris Causa por sus logros musicales, siendo la persona más joven del país en recibir esta distinción.
Compuso la música para la película española Los Peores Años de Nuestra Vida, dirigida por Emilio Martínez-Lázaro, y lanzó su álbum One more once (Columbia/Sony). Hizo una gira por Japón, Venezuela, El Caribe y Estados Unidos; tocó en NPR's "A Jazz Piano Christmas", invitado por Tony Bennett; tocó con su banda de 17 componentes y también intervino con un concierto especial a tres pianos de Jazz y Clásica con las pianistas Katia y Marielle Labeque. Además, tocó como solista con la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico.
En 1995, Camilo se dedicó a diversos proyectos como actuaciones regulares en festivales de Jazz con su Trio, conciertos en solo, su colaboración en el último CD de Katia Labeque, Girl Blue, o la composición de la banda sonora de Two Much, del director Fernando Trueba y ganadora de un Oscar.
En 1996, Camilo hizo una serie de conciertos de piano con motivo de la celebración de Capital Cultural Europea en Copenhague. También hizo su debut de Piano Solo en el Kennedy Center y el Carnegie Hall. Hizo una gira en Japón y Francia, así como en El Caribe, con su Trío. También actuó en Nueva York en el Blue Note, Iridium, Radio City Music Hall y Avery Fisher Hall en el JVC Jazz Festival. Posteriormente, actuó en Israel, España, México, la República Dominicana y Suiza, donde hizo su debut en el prestigioso auditorio Tonhalle de Zurich como parte de "Jazz Piano Masters".
En 1997, Camilo hizo actuaciones especiales en el MIDEM (Cannes, Francia) y MIDEM LATINO (Miami) y el Seminario GAVIN (Nueva Orleans), presentando su álbum Thru my eyes (TropiJazz/RMM). Fue también invitado especial con la Carnegie Hall Jazz Band en una noche de "Gershwin: A Portrait in Jazz" en el Carnegie Hall e intervino como solista invitado con la Copenhagen Philharmonic y la Queens Symphony Orchestra interpretando Rhapsody in Blue de Gershwin. Hizo una gira en Europa y Japón con su Trío, Solo piano y conciertos en Dúo con el guitarrista flamenco Tomatito; y produjo el álbum del cantante y compositor francés Nilda Fernández, Innu Nikamu (EMI). The Duke Ellington School of the Arts en Washington, D.C. creó la beca Michel Camilo Piano otorgada al mejor estudiante de piano seleccionado por la facultad de música.
1998 comenzó con giras de Michel Camilo Solo, Dúo y Trío en Estados Unidos, Japón y Europa. Michel Camilo tocó con Katia y Marielle Labeque, en un Recital Especial de Piano a Tres en la ciudad de México. Ese año codirigió artísticamente el primer "Latin-Caribbean Music Festival" en el Kennedy Center para las Artes Teatrales en Washington D.C., actuaciones con su Trío y la Big Band, así como el estreno mundial del Piano Concerto con la National Symphony Orchestra dirigida por Leonard Slatkin (un encargo de la National Symphony Orchestra). También actuó como invitado solista en una "Gershwin Celebration" con la Long Island Philharmonic dirigida por David Lockington. Michel Camilo acudió a los festivales de Jazz de verano en Europa, produjo el álbum Lorquiana (BMG) para la cantante española Ana Belén; en esa temporada, actuó como artista invitado con la Orquesta Sinfónica de Málaga e hizo recitales de Piano Solo, así como conciertos a dúo con el guitarrista flamenco Tomatito.
En 1999, además de sus conciertos habituales con el Trío en los festivales de Jazz europeos, hizo una gira de conciertos a dúo: con el conocido pianista de jazz cubano Chucho Valdez en festivales de jazz europeos y canadienses, y con el guitarrista flamenco Tomatito en Japón, Suiza y El Caribe. Michel hizo su debut con la Cleveland Orchestra dirigida por Leonard Slatkin en el Blossom Music Festival donde interpretó su Piano Concerto así como Rhapsody in Blue de Gershwin. Hizo el mismo programa con la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana dirigida por Carlos Piantini y en noviembre actuó como solista, artista invitado, con la Copenhagen Philharmonic dirigida por Giordano Bellincampi donde interpretó su Piano Concerto y Piano Concerto en F de Gershwin.
El año 2000 trajo a Camilo dos premios: su álbum Michel Camilo & Tomatito - SPAIN (Verve/Universal) que cuenta con guitarra flamenca y piano en dúo, fue galardonado con un Grammy como "Mejor Álbum de Jazz Latino"; y recibió un Doctorado en Música por el prestigioso Berklee College of Music (Boston). Hizo una gira en España con Tomatito, un concierto en Trío para el New Jersey Chamber Society y estrenó su trabajo "Mañana" (un poema de Federico García Lorca) interpretado por el Western Wind Vocal Ensemble como parte de "A Musical Celebration of the Milenium" galardón otorgado por la Chamber Music America. En verano, Michel actuó como solista invitado con la National Symphony Orchestra y estrenó "Tango for Ten" -escrita para diez pianos- como parte del programa del "Piano Festival 2000!" en el Kennedy Center para las Artes Escénicas. También tocó con su Trío, así como a dúo con Tomatito y Chucho Valdés en el Carnegie Hall, en el Puerto Rico Heineken Jazzfest, Klavier Ruhr Festival y los principales festivales europeos y japoneses. Michel Camilo interviene con su Trío en la película "Calle 54", un documental dirigido por Fernando Trueba, en la que se describen once artistas de jazz latino.
En el año 2006, Michel Camilo grabó la segunda parte de su álbum Spain titulada Spain Again también a dúo con el guitarrista flamenco Tomatito
Además de sus actividades como compositor y pianista, Michel Camilo ha sido invitado a dar conferencias y actuaciones en numerosas universidades y colegios en Estados Unidos, como por ejemplo New York University, Berklee College of Music (Boston), M.I.T., William Paterson College (Nueva Jersey) y Puerto Rico Conservatory, así como en Dinamarca, España y Suiza.
Sus influencias son amplias, desde Art Tatum, Oscar Peterson y McCoy Tyner -cuya música le llevó al jazz- hasta Chick Corea, Bill Evans, Ahmad Jamal, Sonny Clark, Keith Jarrett y Erroll Garner (que se puede apreciar en sus álbumes). Y también la música clásica -desde Beethoven a Chopin, Debussy o el compositor cubano Ernesto Lecuona.
En el 2008 la Universidad Nacional Pedro Henríquez Ureña (UNPHU) le otorga el título de Dr. Honoris Causa de la Facultad de Humanidades y Educación, junto con Juan Luis Guerra Seijas y José Antonio Molina Miniño.
En el 2010 la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD) le otorga el título Honoris causa por su excelente trayectoria musical. Pertenece a la época de grandes autores, con los que coincio en la universidad de su tierra natal. Destacan principalmente los conciertos que se rodarón en España y argentica.

Discografía

2013 - What's Up?
2011 - Mano a Mano
2009 - Caribe
2007 - Spirit of the Moment
2006 - Spain Again
2006 - Rhapsody In Blue
2005 - Solo
2003 - Live at the Blue Note
2002 - Triángulo
2001 - Piano Concerto, Suite & Caribe
2001 - Calle 54 (Soundtrack)
2000 - Spain
1997 - Thru My Eyes
1997 - Hands of Rhythm (Giovanni Hidalgo)
1996 - Two Much (Soundtrack)
1994 - One More Once
1993 - Rendezvous
1991 - Amo Tu Cama Rica (Soundtrack)
1990 - On the Other Hand
1989 - On Fire
1988 - Michel Camilo
1986 - Suntan
1985 - Why Not?

Página Oficial de Michel Camilo

http://musicasdelalma.sanjavier.es/alma2/biograf/camilo.htm

jueves, 30 de abril de 2015

Tributo a Larry Carlton

La historia de Larry Carlton empieza en el Sur de California. Consiguió su primera guitarra cuando tenía sólo seis años de edad. Se matriculó en una escuela de jazz después de oír el disco “Moment of Truth” de The Gerald Wilson Big Band, con Joe Pass. Larry entonces se interesó en Barney Kessel, Wes Montgomery y B.B King. El saxofonista John Coltrane fue también una gran influencia en Carlton, empezando con el disco de 1962, classic Ballads.
En 1968 Carlton grabó su primer elepé, “With a little help frOm my friends” (Uni). La respuesta entusiasmada de la industria le reservó ya por aquel entonces un lugar entre los guitarristas más prometedores, grabando anuncios y programas de radio y televisión.
Las llamadas comenzaron a aumentar apreciablemente, mientras Carlton se distinguía por el inconfundible y a menudo imitado sonido "dulce" que entregaba con su Gibson ES-335. También rompió moldes con su nueva técnica de pedal de volumen marca de la casa, demostrada en actuaciones junto a The Crusaders, ya por el año 1971.

Mientras duró su colaboración con The Crusaders (hasta 1976), Carlton grabó 13 de sus álbumes, a menudo contribuyendo de forma esencial. En 1973, Carlton lanzó su segundo proyecto en solitario, “Singing Playing”, en Blue Thumb Records, donde no sólo tocó la guitarra, sino que incluso cantó en ocho de los temas del disco. La demanda de Carlton como músico de sesión estaba ahora en su apogeo, actuaba constantemente con estrellas de cualquier género que imaginarse pueda, desde Sammy Davis, Jr, y Herp Alpert a Quincy Jones, Paul Anka, Michael Jackson, John Lennon, Jerry Garcia y Dolly Parton. Al mismo tiempo, realizaba todavía más de 50 fechas al año con The Crusaders.

Antes de transicionar completamente a una carrera en solitario, Carlton llegó a ser uno de los músicos de estudio más solicitado de las últimas tres décadas. El catálogo de trabajos de Carlton incluye bandas sonoras cinematográficas, temas de televisión y trabajo en más de 100 álbumes de oro. Casi ná.

Más tarde, Carlton empezó a recortar sustancialmente su trabajo como músico de sesión, mientras continuaba grabando y actuando con The Crusaders. Comenzó a dedicarse a los desafíos de arreglar y producir, y construyó su propio estudio -Espacio 335-, en su hogar. Durante este período arregló y produjo proyectos para Barbra Streisand, Joan Baez y Larry Gatlin, así como otras colaboraciones para bandas sonoras.

Cuando su asociación con The Crusaders comenzó a llegar a su fin, Carlton firmó con Warner Bros. en 1977. Entre ’78 y ’84, Larry grabó seis álbumes en solitario para la Warner: Mr. 335; Live In Japan; Friends; Eight Times Up; Sleep Walk; Strikes Twice; Larry Carlton. El último álbum, titulado con su nombre, se lanzó simultáneamente a su colaboración con los legendarios Steely Dan. La revista Rolling Stone clasifica entonces la intervención de Carlton en el “Kid Carlomagne” de Steely Dan como uno de los tres mejores licks de guitarra de la música rock.

Con más de 3000 sesiones de estudio entre pecho y espalda al principio de la década de los 80, Carlton había recogido cuatro nominaciones a los Grammy. Además de ganar un Grammy (1981) por el tema “Hill Blues”, fue votado también como “músico más valioso” de la Asociación NARAS durante tres años consecutivos. NARAS entonces lo denominó "Músico Honorario" y le retiró el derecho de ser elegido de nuevo.

En 1985 fue encomendado por la recién creada Master Series de MCA nuevamente para hacer un álbum de Jazz acústico. Su primer lanzamiento para el nuevo sello fue “Alone, But Never Alone”, que fue unanimemente considerado un No. 1 en las listas de Radio & Records and Billboard Jazz. Los doce meses de 1987 supusieron algunos de los momentos culminantes de la carrera en solitario de Carlton. Además de ganar el Grammy por " Minute by Minute” Carlton recibió una nominación a los Grammy en el apartado “Best Jazz Fusion Performance” por su álbum en vivo “Last Nite”.

Después de los éxitos de dos álbumes acústicos y un álbum en vivo, Carlton entró al estudio para trabajar en su siguiente proyecto, “On Solid Ground”. El proyecto resultante se nominó para un Grammy en 1989. La publicación de “On Solid Ground” tuvo lugar casi un año después de que Carlton fuera brutalmente herido por un disparo en un acto de violencia fuera de su estudio de Los Angeles. La cosa no iba con él.

En 1990, MCA adquirió la discográfica GRP y colocó a sus artistas del jazz bajo la etiqueta de GRP. Inmediatamente, GRP publicó un paquete de grandes éxitos de Carlton en MCA, al que llamó “Collection”. En 1991, Carlton entró al estudio para grabar un de blues con John Ferraro, el teclista Matt Rollings, el bajista Michael Rodhes y el harmonicista Terry McMillan. Interrumpido por demandas judiciales debidas a compromisos con otros sellos, Carlton arrinconó temporalmente lo que llegaría a ser Renegade Gentlemen y grabó y lanzó “Kid Gloves” en 1992. Una colección del Jazz orientada hacia el Pop, con baladas acústicas melodiosas y audaces propuestas eléctricas, el álbum marcó la primera vez Carlton había incluido pistas tanto acústicas como eléctricas en un solo proyecto en solitario.

Entre giras, Carlton reasumió el trabajo en Renegade Gentlemen. Llevando las seis pistas orignales a Nashville (la primera vez que grabó en esa ciudad), y reuniendo de nuevo a Michael Rhodes y Terry McMillan, más el baterista Chris Layton (de la banda de SRV Double Trouble) y el mago de los teclados Chuck Leavell, grabó cuatro pistas, hizo la producción adicional y las mezclas hasta culminar con su lanzamiento en el año 1993.

Carlton viajó extensamente ese año y el siguiente con la superbanda de jazz de Stanley Clark and Friends (Stanley Clark, Larry Carlton, Cobham Bilis, Deron Johnson y Najee). El quinteto publicó “Stanley Clark and Friends Live A t The Greek” en 1994.

Larry & Lee, la colaboración en 1995 de Carlton con el gran guitarrista Lee Ritenour, añadió una octava nominación a los Grammy. A esto siguió “The Gift” en 1996 y el “Colection 2” en 1997. Ese mismo año, su virtuosismo y la reputación le aseguraron un lugar en el antológico grupo Fourplay, ocupando la vacante de Lee Ritenour que se había marchado para dirigir su propio sello. Carlton duplicó la diversión firmando con Wamer Jazz para grabar en solitario al mismo tiempo. Desde entonces él ha publicado dos álbumes con Fourplay: “4” en 1998 y un álbum fresco y diferente de Navidad, “Snowbound”, en octubre de 1999. 1999 trajo a Larry Carlton también su propio lugar en el prestigioso Rockwalk (paseo de las estellas de rock) de Hollywood. El 3 de junio, colaboró con Joe Satriani, Steve Vai y Jimmie Vaughn.

El año 2000 comienza con Carlton poniendo sus huellas dactilares en el milenio con la publicación bajo el sello Warner Bros del disco “Fingerprints”. Totalmente extraordinario, Larry Carlton ha supuesto un estándar para la música, que atraviesa tres décadas (y dos siglos) y está destinado indudablemente a dejar su marca en el jazz, el blues, el Pop y el Rock para el futuro previsible...

Discografía

With A Little Help of My Friends 1968 Uni
Singing / Playing 1973 Blue Thumb
Larry Carlton 1978 Warner Bros. Records
Mr. 335 Live in Japan 1979 Warner Bros. Records (Japón)
Strikes Twice 1980 Warner Bros. Records
Sleepwalk 1981 Warner Bros. Records
Eight Times Up 1983 Warner Bros. Records (incluye el sencillo Tequila)
Friends 1983 MCA
BSO - Against All Odds 1984 Virgin Records (con Michel Colombier)
Last Nite 1986 MCA
Alone / But Never Alone 1986 MCA
Discovery 1986 MCA
On Solid Ground 1989 MCA
Collection 1990 GRP
Renegade Gentleman 1991 GRP
Kid Gloves 1992 GRP
Larry & Lee 1995 GRP
Christmas at My House 1995 MCA
The Gift 1996 GRP Records
Collection Vol.2 1997 GRP
Fingerprints 2000 Warner Bros. Records
No Substitutions: Live in Osaka 2001 Favored Nations
Deep Into It 2001 Warner Bros. Records
Sapphire Blue 2003 JVC Music
The Very Best of Larry Carlton 2005 GRP
Fire Wire 2006 RCA Victor
Larry Carlton with Robben Ford Live in Tokyo 2007 335 Records
Take Your Pick (album)|Take Your Pick (con Tak Matsumoto) 2010
Larry Carlton Plays The Sound Of Philidelphia 2011 335 Records

Vídeos

Larry Carlton Live 1987
Star Licks Larry Carlton 1989
Star Licks Larry Carlton Vol.2 1992
Larry Carlton Live At Montreal International Jazz Festival 1997
Live at Montreal JazzFestival 2002 Eagle
Carlton - Lukather Band - The Paris Concert 2005 inakustik
Carlton, Ford + Autour Du Blues - The Paris Concert 2008 Inakustik
Carlton Trio - The Paris Concert 2009 Inakustik
Larry Carlton Trio - Estival Jazz Lugano 2011

Tributo A Lee Ritenour

Nació el 11 de enero de 1952 en Los Ángeles, California. Compositor y guitarrista estadounidense, reconocido por ser uno de los pioneros en la fusión del jazz contemporáneo con el funk y el rock.

Lee Mack Ritenour, comenzó a los 16 años como músico sesionista en una grabación con The Mamas & The Papas, luego colaboró con artistas de la talla de Tony Bennet y Lena Horne.
En 1973 forma un grupo con Joe Pisano, ex guitarrista de Herp Alpert y su Tijuana Brass y un año después lo hace con Dave Grusin, antiguo pianista del grupo de Sergio Mendes and Brasil 77.

Dave Grusin es además co-fundador del sello musical GRP (uno de los sellos de los años 80 que se destacó por impulsar la música del jazz-fusión).
Con Grusin elaboran distintos discos, entre ellos Harlequin.

Un estilo que acompaña su manera de tocar y sentir la música es la influencia de guitarristas como Joe pass, West Montgomey y Barney Kessel, no obstante esa influencia, Lee ha conseguido un estilo propio.

Su debut discográfico como líder fue en 1976 para el sello EPIC con el álbum, First Course.

Lee Ritenour ha desarrollado a lo largo de su carrera otros estilos musicales distintos al jazz; sus coqueteos con la fusión del jazz con otros ritmos, fundamentalmente brasileños, siendo él junto con Grusin quienes ayudan a introducir en Estados Unidos a músicos por entonces desconocidos para ese mercado, tales como Ivan Lins.
En 1979 graba para GRP, el álbum Río, el disco más importante de esa época donde existe una perfecta fusión entre el jazz y la bossa. Años despues, como podía suponerse, grabará con el compositor y pianista brasilero Ivan Lins.

Durante su carrera, Ritenour ha sido nominado 17 veces a los premios Grammy; consiguió varios álbumes de oro y abundantes números uno en concursos de guitarra.

Sus discos, están grabados mayoritariamente por GRP y su mayor éxito lo obtuvo en 1994 con el álbum Larry & Lee, a dúo con el también guitarrista, Larry Carlton.

Lee Retenour, ha participado en mas de 3.000 sesiones como músico invitado y tiene editados más de 42 discos.

Sus guitarras preferidas son las Gibson ES 335 y L5, también tiene preferencias por un modelo de Ibanez la LR 10, el modelo que se fabricó entre los año 1981 y 1987.
Durante los años 86 y 89, usa una guitarra sintetizador llamada SynthAxe y en el año 1987 edita Portrait, junto al grupo YellowJackets.
En la actualidad también usa acusticas Yamaha, entre ellas la conocida Silent Guitar.

En 1988 edita Color Rit, en donde vuelve a sacar sus influencias de música brasilera. Poco después también editará el álbum Stolen Moments con un sonido que se aproxima al de West Montgomery.

En el año 2002 edita Rit's House y en 2004 completa un proyecto que incluye la edición de CD y DVD con músicos como Ernie Watts, Nathan East, Anthony Jackson, David Grusin y Alex Acuna, entre otros.
Ese álbum se llamó Smoke n' Mirrors y fue editado en agosto del 2006.

En junio del 2010 edita el disco 6 String Theory, un juego de palabras en referencia a la teoría de la cuerda y el uso de la guitarra.

Este disco cuenta con la participación de famosos guitarristas, tales como Steve Lukather, Neal Schon, John Scofield, Slash, Pat Martino y Mike Stern, así como con otros jóvenes poco conocidos hasta entonces: Andy McKee, Joe Robinson y Guthrie Govan

Es uno de los guitarristas de jazz más técnicos que existen. Conocido por ello como "Captain Fingers" (Capitán Dedos), su carrera ha estado marcada por la influencia de los grandes guitarristas de jazz género en el que ha desarrollado su endiablado estilo

Discografía

Fecha	Título	Discográfica
1976	First Course	Epic #EK 46114
1977	Gentle Thoughts	JVC #VDJ-1001
1977	Captain Fingers	Epic #PE 34426
1978	Friendship	Jasrac #VDJ-1003
1978	The Captain's Journey	Elektra No. 6E-136
1979	Rio	GRP Records #GRD-9524
1979	Feel the Night	Discovery No. 71010
1980	The Best of Lee Ritenour	Epic #EK 36527
1981	Rit	Discovery No. 71013
1982	Rit 2	Discovery No. 71017
1983	On The Line , con Dave Grusin	GRP Records #GRD-9525
1984	Banded Together	Discovery No. 71018
1985	Harlequin, con Dave Grusin	GRP Records #GRD-9522
1986	Earth Run	GRP Records #GRP-D-9538
1987	Portrait	GRP Records #GRD-9553
1988	Festival	GRP Records #GRD-9570
1989	Color Rit	GRP Records #GRD-9594
1990	Stolen Moments	GRP Records #GRD-9615
1991	Joyride	Nova
1993	Wes Bound	GRP Records #GRD-9705
1995	Larry & Lee, con Larry Carlton	GRP Records #GRD-9817
1997	Alive In L.A.	GRP Records #GRD-9882
1997	A Twist of Jobim	I.E. Music No. 314 533 893-2
1998	This Is Love	i.e. Music No. 314 557 290-2
1999	Two Worlds	Decca No. 012 157 960-2
2001	A Twist Of Marley	GRP Records #UCCR-1003
2002	Rit's House	GRP Records #VERF 01197-2
2003	A Twist of Motown	GRP Records #B0000115-02
2005	Overtime	Peak Records #PKD-8531-2
2005	World Of Brazil	GRP Records #B0004926-02
2006	Smoke N Mirrors	Peak Records #PKD-30018-2
2008	Amparo, with Dave Grusin	Decca Records #UCCU-1192
2010	6 String Theory	Concord Records #CRE-31911-02
2012	Rhythm Sessions	Concord Records #CRE-33709-02

Con Fourplay

Fecha	Título	Discográfica
1991	Fourplay	Warner Bros.
1993	Between the Sheets	Warner Bros.
1994	Elixir	Warner Bros.

miércoles, 29 de abril de 2015

Tributo a Jaco Pastorius

John Francis Anthony Pastorius III (Norristown, 1 de diciembre de 1951 − Fort Lauderdale, 21 de septiembre de 1987), conocido como Jaco Pastorius, fue un bajista, compositor y arreglista estadounidense de funk, jazz fusión y jazz.
Pese a ser autodidacta, Pastorius tomó un instrumento hasta entonces relativamente nuevo, el bajo eléctrico, cuyo papel hasta ese momento por lo general era de acompañamiento y permanecía en un segundo plano dentro de las bandas de música popular. Artesanalmente extrajo los trastes de su propio bajo eléctrico, un Fender modelo Jazz Bass de 1962, transformándolo en un fretless, variedad del bajo hasta el momento poco conocida y utilizada, cuya sonoridad es más similar a la del contrabajo acústico. Otra modificación que fue decisiva para su sonido fue el de sustituir las habituales cuerdas de entorchado plano utilizadas hasta entonces en los bajos fretless, por cuerdas de entorchado redondo, consiguiendo un mayor "sustain".
Con esta nueva sonoridad, su innovadora técnica de digitación, la particular posición de su mano derecha, entre otras cosas; conseguiría llevar al bajo eléctrico a un nuevo nivel interpretativo, usándolo tanto para acompañar como para tocar melodías principales e improvisar,^[1] ya que en aquella época eran roles casi exclusivos de instrumentos solistas como la guitarra eléctrica, la trompeta, el saxofón y el piano.
Por lo anterior, a Jaco se le considera como uno de los bajistas más influyentes en la historia del bajo eléctrico.[editar]
Nació en Pennsylvania, pero de pequeño se mudó a Fort Lauderdale, donde se crió y desde temprana edad integró diversas bandas escolares, en las cuales se destacaba como baterista. De adolescente sufrió un accidente en su rodilla jugando al fútbol, que le impediría tocar la batería. Pastorius decidió entonces intercambiar los roles con el bajista de la banda en la que tocaba, llamada Las Olas Brass (1967) y aprendió el repertorio completo de la banda para su nuevo instrumento en tan sólo una semana.
En 1974 comenzó a hacerse más reconocido cuando graba el disco Bright Size Life acompañando al guitarrista Pat Metheny, y permanece algún tiempo como bajista del grupo Blood, Sweat & Tears. Dos años después, grababa su primer disco solista, titulado Jaco, aclamado por la crítica y por sus colegas, y que lo llevó a los primeros planos de la escena jazzística internacional. Muchos consideran a este disco como de escucha imprescindible para los bajistas de todos los tiempos por la riqueza técnica y la calidad de sus composiciones.
Jaco era un admirador del grupo de jazz fusion Weather Report, habiendo, en años anteriores a su debut discográfico, "acosado" al líder de dicho grupo, Joe Zawinul para que le diera el puesto de bajista en la banda, con el argumento de que él era "el mejor bajista del mundo". Pese a la explicable resistencia inicial de Zawinul, finalmente Pastorius logró que escuchara una cinta con su música. Zawinul quedó muy impresionado sobre todo por el particular sonido de Pastorius, pensando en un primer momento que en la cinta que Pastorius le había dado este había tocado un contrabajo. Al poco tiempo, el bajista de Weather Report de aquel momento, Alphonso Johnson, abandonó la banda y Zawinul le ofreció instantáneamente a Pastorius reemplazarlo.
Jaco tocó con Weather Report desde 1976 hasta 1981, grabando álbumes y realizando giras por distintos países del mundo.
Después de dejar Weather Report, Jaco formó su propia banda, Word Of Mouth, con la cual también grabó varios discos y realizó numerosas giras hasta el año 1984. Notables músicos fueron parte de aquella banda, entre ellos el baterista de Weather Report, Peter Erskine, el trompetista Randy Brecker, el saxofonista Bobby Mintzer y el percusionista Don Alias.
A partir de mediados de la década de los 80, Jaco comenzó a sufrir las primeras manifestaciones de trastornos mentales, y se le diagnostica como maníaco depresivo. Las drogas que le habían recetado para tratarse le impedían concentrarse, lo adormilaban, lo que le imposibilitaba componer; o peor aún, directamente le dormían los dedos, lo cual no le permitía tocar el bajo. Así que Jaco rehusó tratarse, cayendo en una espiral de conflictos familiares y conductas autodestructivas.
Se volvió alcohólico, tomando por costumbre vagar por las calles y convivir con mendigos y vagabundos, de quien se haría amigo tocando para ellos. Incluso el famoso bajo Fender Jazz Bass que Jaco utilizó tanto tiempo, le fue sustraído mientras jugaba un partido de baloncesto en las canchas de la calle 54 en Nueva York, ya que acostumbraba dejarlo apoyado en un banco sin prestarle atención mientras jugaba. Jaco fue internado varias veces por sus trastornos maníaco depresivos, pudiendo pasar de la más absoluta depresión a un estado de euforia en cuestión de segundos.
El 11 de septiembre de 1987, Pastorius, después de salir de la cárcel por robar un coche y conducirlo por una pista de atletismo (tampoco tenía permiso de conducir), intentó sabotear un concierto de Carlos Santana^{[cita requerida]}, donde tocaba en ese momento Alphonso Johnson, bajista a quien sustituyó once años atrás en Weather Report. Al ser obligado a abandonar el concierto, y en estado de embriaguez, se dirigió a un bar de la zona de donde fue expulsado, también a la fuerza, tras alborotar y sabotear otro concierto que se estaba realizando. Luc Havan, el vigilante de seguridad (versado en este tipo de enfrentamientos) al echarlo le propinó una paliza que lo dejó en estado de coma, con varias fracturas faciales y daños en el ojo derecho y el brazo izquierdo. Pocos días más tarde, Pastorius sufrió un derrame cerebral que acabó con su vida. El vigilante finalmente fue condenado pero sólo cumplió 4 meses de los 5 años a los que le habían condenado.^[2]

Discografía

Trabajos previos

1974 - Party Down (Little Beaver)
1974 - Jaco (Pat Metheny, Paul Bley)
1976 - Bright Size Life (Pat Metheny)

Otras participaciones

1976 - Land of the Midnight Sun (Al Di Meola)
1976 - Hejira (Joni Mitchell)
1977 - Don Juan's Reckless Daughter (Joni Mitchell)
1978 - Everyday Everynight (Flora Purim)
1978 - Sunlight (Herbie Hancock)
1979 - Mingus (Joni Mitchell)
1979 - Mr. Hands (Herbie Hancock)
1980 - Shadows And Light (Joni Mitchell)
1986 - Upside Downside (Mike Stern)

Como solista

1976 - Jaco Pastorius
1981 - Word of Mouth
1981 - The Birthday Concert
1983 - Invitation
1984 - Live in New York City, Vol. 4: Trio 2
1985 - Live in New York City, Vol. 5: Raca
1986 - PDB
1990 - Live in New York City, Vol. 1: Punk Jazz
1991 - Live in New York City, Vol. 2: Trio
1991 - Live in New York City, Vol. 3: Promise Land
1998 - Best Improvisation
1998 - Holiday for Pans
1999 - Live in New York, Vol. 6
1999 - Live in New York, Vol. 7
2001 - Another side of Jaco Pastorius
2003 - Jaco Pastorius Big Band (Tributo)

Con Weather Report

1976 - Black Market
1977 - Heavy Weather
1978 - Mr. Gone
1980 - Night Passage
1982 - Weather Report

jueves, 23 de abril de 2015

Tributo a “The Ice Man”, The Master of the Telecaster”“. Albert Collins nació el 1º de octubre de 1932 en Leona, Texas. Cuando tenía 7 años su familia se trasladó a Houston, donde creció con sus amigos Johnny “Guitar” Watson y Johnny Copeland. Comenzó en la música tomando clases de teclado, inspirado en su ídolo Jimmy McGriff, pero a la edad de 18 años se cambió a la guitarra gracias a los sonidos de Clarence “Gatemouth” Brown, John Lee Hooker, T-Bone Walker y su primo Lightnin’ Hopkins. Comenzó a tocar en los mismos clubes nocturnos en los que ellos estaban, generando su propio estilo, caracterizado por el uso de afinaciones menores y un capo, incluyendo además el acto de caminar en medio del público mientras tocaba la guitarra, el cual lo hizo muy popular en la década de 1980. Collins lideró a The Rhythm Rockers, una banda de 10 piezas con la que grabó su primer sencillo en 1958, un tema que se llamó “The Freeze”. Este registro fue seguido por otros temas con nombres llamativos como “Sno-cone”, “Icy Blue” y “Don’t Lose Your Cool”. Todos estos sencillos tuvieron un impacto regional hasta que en 1962 llegó su mayor éxito, “Frosty”, sencillo que vendió un millón de copias. Albert Collins contaba que cuando grabó esa canción, en el estudio estaban Johnny Winter y Janis Joplin, quien predijo que “Frosty” iba a ser un éxito. El tema se convirtió en una parte primordial de su repertorio y ese estilo percutivo de interpretar la guitarra se convirtió en su sello. Jimi Hendrix, en muchas entrevistas, citó ese sonido de Collins como una de sus influencias. A lo largo de la década de 1960, Collins siguió con la rutina de tener un trabajo diario para sostenerse y seguir su carrera musical los fines de semana con pequeñas giras regionales. Grabó para algunos sellos pequeños hasta que en 1968 Bob “The Bear” Hite, guitarrista de Canned Heat, fue hasta Texas para convencerlo de trasladarse a California, donde firmó con Imperial Records. Allí consiguió aprovechar que el blues revival todavía estaba en boga para obtener mayor audiencia y abrir conciertos de bandas como The Allman Brothers Band. Albert Collins tuvo su centro de operaciones en Los Ángeles durante mucho tiempo antes de trasladarse a Las Vegas, a comienzos de la década de 1980. Para Imperial grabó tres discos y pasó a Tumbleweed Records, sello en el que produjo varios sencillos hasta su cierre en 1973. A pesar de no grabar mucho entre 1970 y comienzos de 1980, sus sencillos fueron suficientemente transmitidos en radio, situación que le permitió a Collins seguir de gira, manejando él mismo su propio bus, hasta que en 1988 pudo contratar un chofer. El repunte de Albert Collins llegó en 1977 cuando firmó con Alligator Records y grabó su debut “Ice Pickin’”. Con el sello de Chicago produjo seis discos más, culminando en 1986 con “Cold Snap” en el que participa el organista Jimmy McGriff, uno de sus héroes musicales. Además de “Ice Pickin’” y “Cold Snap”, Albert Collins grabó para Alligator Records “Live in Japan”, “Don’t Lose Yout Cool”, “Frozen Alive!”, “Frostbite” y “Showdown”, trabajo realizado al lado de los también guitarristas Robert Cray y Johnny Copeland, que hizo merecedores a los tres artistas de un premio Grammy. Collins fue nominado en 1986 a un gramófono por su disco “Cold Snap”.En 1989 Albert Collins firmó con Pointblank, una filial de Virgin Records, y presentó “Iceman”, su debut en 1991. En 1993 fue lanzada una compilación llamada “Collins Mix”. Así mismo se presentaron algunos reediciones de sus primeras grabaciones con otras compañías, que le dieron más popularidad al guitarrista quien tuvo también un extenso trabajo como músico de sesión, participando en discos como “Labyrinth” de David Bowie, “Spillane” de John Zorn, “A Question Of Time” de Jack Bruce, “Wake Up Call” de John Mayall, “Blues Summit” de B.B. King, “Shame And A Sin” de Robert Cray y “Super Models In Deep Conversation” de Brandford Marsalis. A pesar de que Albert Collins estuvo mucho tiempo sn grabar en la década de 1970, puedo ver cómo el blues retornó con fuerza en 1980. Collins pudo disfrutar de ese momento en los últimos años de su vida y tuvo mucha exposición ante los medios de comunicación. Al lado de Stevie Ray Vaughan y The Fabulous Thunderbirds, Albert Collins ayudó a fortalecer el blues pero, al igual que Stevie Ray Vaughan, la muerte llegó de manera temprana y no le permitió ser parte de la evolución de esta música. Albert Collins murió el 24 de noviembre de 1993 víctima de un cáncer de hígado

Año	Título	Sello-Ref.
1968	Love Can Be Found Anywhere (Even In A Guitar)	Imperial LP-12428
1969	Trash Talkin’	Imperial LP-12438
1970	The Complete Albert Collins	Imperial LP-12449
1971	There's Gotta Be A Change	Tumbleweed 103
1978	Ice Pickin’	Alligator 4713
1979	Albert Collins and Barrelhouse Live	Munich 225
1980	Frosbite	Alligator 4719
1981	Frozen Alive	Alligator 4725
1983	Don´t Loose Your Cool	Alligator 4730
1983	Jammin With Albert
1984	Live In Japan	Alligator 4733
1985	Showdown!	Alligator 4743
1986	Cold Snap	Alligator 4752
1991	Iceman	Pointblank VPBCD 3
1993	Collins Mix: His Best	Pointblank 39097
1995	Live '92/'93	Pointblank 40658
2000	Live At the Filmore West	Catfish 156
2005	The Iceman At Mount Fuji	Fuel2000 061457
2008	Albert Collins: Live at Montreux 1992	Eagle Records

https://www.youtube.com/watch?v=DlDhJ0ghTg4

Fuente: https://historiasdelblues.wordpress.com/tag/albert-collins/

miércoles, 22 de abril de 2015

Hoy nos toca rendir tributo a Ahmad Jamal:

Frederick Russell Jones (Pittsburgh, 2 de julio de 1930), es un pianista estadounidense de jazz. Ahmad Jamal fue una de las principales influencias musicales de Miles Davis y está considerado como uno de los pianistas más relevantes de la historia del jazz Jamal es un pianista de la tradición clásica jazzística.
La música de Jamal es innovadora y minimalista, y manifiesta un uso consciente de los espacios y de los silencios para subrayar los tránsitos entre la relajación y la tensión, con la intención de generar dramatismo. Impresiona antes que por su técnica por su virtuosismo, caracterizado por una gran economía de medios y unas líneas melódica y armónicamente inventivas. En sus tríos, suele dejar un gran espacio de libertad a la sección rítmica.

Jamal comenzó a tocar el piano a los tres años, empezó su formación a los siete y a los once ya tocaba profesionalmente bajo el nombre de Fritz Jones (aunque durante la Segunda Guerra Mundial también se hacía llamar “Freddie”) siendo influido por artistas como Erroll Garner, Art Tatum, Teddy Wilson, Count Basie y Nat King Cole. Tras graduarse en el instituto, realizó una gira como acompañante y se unió a la orquesta de George Hudson en 1949. Un año después, se unió al grupo de swing del Joe Kennedy, los Four Strings, donde trabajó como pianista y arreglista.

En 1950, Jamal formó su propio grupo, los Three Strings, con el bajista Eddie Calhoun y el guitarrista Ray Crawford. Fueron descubiertos por la compañía Columbia en 1951 y firmaron por el sello subsidiario de esta OKeh. Calhoun fue más tarde reemplazado por Richard Davis y después por Israel Crosby en 1955; durante esa época, Fritz Jones se convirtió al Islam y se cambió el nombre por el de Ahmad Jamal hacia 1952. También, en esas fechas, el grupo, eventualmente renombrado como Ahmad Jamal Trio grabó dos discos, que incluían el clásico de Jamal “Ahmad’s Blues” y una versión de “Pavanne” que fueron la base posterior de los legendarios temas de Miles Davis “So What” y del “Impressions” de John Coltrane.

En 1955 cambió de compañía, a Argo, donde el trío grabó el exitoso Chamber Music of New Jazz, que impresionó a Davis y en el que el arreglista Gil Evans se basó para crear la obra para el trompetista. En 1956, Jamal eligió para reemplazar al guitarrista Crawford a un batería, Walter Perkins; a su vez, este fue reemplazado en 1958 por Vernell Fournier, quedando constituido el grupo clásico que trabajó habitualmente en el Pershing Hotel de Chicago, dando como resultado un disco clásico en directo: Ahmad Jamal at the Pershing: But Not for Me; la versión de Jamal de “Poinciana” se convirtió en su tema por antonomasia. Como consecuencia de este éxito, Jamal abrió su propio club, Alhambra, y grabó abundantemente para Argo durante los años sesenta.

Algunos de sus discos tuvieron un éxito considerable, por ejemplo Ahmad Jamal Trio, Vol. 4 de 1958 y Ahmad Jamal at the Penthouse de 1960. En 1962 el trío se deshizo. Con el arreglista Richard Evans, Jamal grabó otra sesión de jazz con violines, Macanudo, y a continuación formó un nuevo trío con el bajista Jamil Nasser (aka Jamil Sulieman) y el batería Chuck Lampkin. Lampkin se marchó en 1965 y fue sustituido por Fournier (en el LP Extensions) antes de que finalmente Frank Gant formase parte del trío.

Jamal experimentó un breve resurgir de su éxito a finales de los sesenta gracias a discos como Standard Eyes de 1967 y Cry Young de 1968. Un año después cambió de compañía, ahora para Impulse!, y grabó cinco discos en cuatro años, incluyendo un directo en el Montreux Jazz Festival de 1971 y Outertimeinnerspace (1972), en los que experimentó con el piano eléctrico.
Jamal se cambió a la compañía 20th Century en 1973. Nasser abandonó el trío a mediados de los setenta y fue reemplazado por John Hurd; además, el trío se amplió a cuarteto momentáneamente con la incorporación del guitarrista Charlie Keys para el concierto de 1976 Live at Oil Can Harry’s. Night Song presentó a Jamal trabajando con un grupo más grande en 1980. Pero nuevamente formó otro trío con el bajista Sabu Adeyola y el batería Payton Crossley.

A comienzos de los ochenta, Jamal realizó una gira y grabó en tándem con el vibrafonista Gary Burton y regresó a una compañía poderosa al firmar con Atlantic en 1985. Trabajó también para Telarc a comienzos de los noventa. En 1994, fue galardonado con el American Jazz Master Fellowship por el National Endowment for the Arts.

Jamal firmó después con el sello francés Birdology, que supuso el comienzo de un renacimiento creativo. Sus grabaciones fueron distribuidas inicialmente en los Estados Unidos por Verve y Atlantic, y más tarde por el pequeño sello Dreyfus Jazz. Su primer disco francés, The Essence of Ahmad Jamal, Pt. 1 fue recibido calurosamente en Francia, y supuso la primera vez que Jamal grabó en pequeño grupo con un saxofonista (George Coleman). Siguió con Big Byrd: The Essence, Pt. 2 (1997) y Nature: The Essence, Pt. 3 (1998), y sobre todo con el aclamado concierto de su 70 cumpleaños en el Olympia en el año 2000. El disco de 2003 In Search of Momentum fue también muy bien recibido por la crítica.